Get Adobe Flash player

Estadisticas

Visitas del artículo
4044751

Publicidad

FacebookLinkedInRSS Feed

 

Foto: B. Mora

EDIMBURGO. Jacobo Bugarin. Hidden Edingurgh, Sexta Edicion. Interview Room 11

16 marzo– 15 abril, 2018

Interview Room 11 celebra la 6ª edición de Hidden Edinburgh, dando de nuevo visibilidad a artistas españoles en la capital escocesa. Su objetivo es que el artista seleccionado, Jacobo Bugarín, interactúe con la comunidad artística y con las calles de esta ciudad, creando una intervención específica. En esta ocasión trabajará en el centro de la ciudad, buscando analizar las calles más conocidas de Edimburgo desde una perspectiva muy diferente. Bugarín recorrerá las calles más emblemáticas de Edimburgo siguiendo los pasos de un guía turístico. Analizará las palabras que se repiten día tras día e introducirá pequeños comentarios o gestos que interrumpan y modifiquen el discurso establecido. Introducirá también nuevos elementos en el recorrido, estableciendo así un juego inesperado entre el guía y los turistas, y creando una historia paralela a la ya existente, un nuevo nivel que modificará el discurso turístico.

Jacobo Bugarín (Santiago de Compostela, 1983) desarrolla su trabajo centrado en la percepción y la relación entre el espacio-objeto e individuo-sociedad. Entre las exposiciones en las que participa cabe destacar las instalaciones creadas para la Sala Amadís en Madrid, Baleiro en Santiago de Compostela, el Museo de Arte Contemporáneo Gas Natural Fenosa de A Coruña, la Igrexa da Universidade de Santiago, el Auditorio de Galicia y el Pazo de Cultura de Pontevedra: o las exposiciones colectivas en el cGac Centro Gallego de Arte Contemporáneo de Santiago, Interview room en Edimburgo, Es Baluard en Palma de Mallorca, el MARCO de Vigo, la Ciudad de la Cultura de Santiago o el Museo Kloster Asbach de Passau en Alemania entre otras. (AC/E press-release)

Interview Room 11. 38 Castle Terrace, Edimburgh. UK

http://www.ir11.org.uk

http://jacobobugarin.es

Imagen: “Sacar espacio. Fijar tiempo”.2017. Jacobo Bobugarín

VILNIUS. Daniel Steegmann Mangrane. Phantom. Contemporary Art Centre

2 marzo – 1 abril, 2018.

A menudo Daniel Steegmann Mangrané examina el área nebulosa que existe entre las nociones estrictamente negativas de la cultura occidental, como la cultura y la naturaleza, el sujeto y el objeto, la realidad y la ensoñación, visto y oculto. El artista combina diversos elementos, como lo natural con lo artificial, o los coloca en entornos extraños. Al hacerlo, fabrica situaciones en las que las jerarquías predeterminadas se desvanecen y los límites de las cosas aparentemente inversas se disuelven para proporcionar nuevas visiones.

El título de la exposición, Phantom, por definición es algo visible a pesar de no ser carnal. Es una acumulación de contradicciones en sí misma y también se refiere al trabajo exhibido en el CAC titulado Phantom (Reino de todos los animales y todas las bestias es mi nombre), 2015. Para este trabajo Steegmann Mangrané utilizó un escáner Lidar para capturar una fracción de uno de los entornos que más rápidamente desaparecen en el mundo; la selva brasileña Mata Atlántica. La nube de puntos resultante, una intrincada red de puntos en escala de grises, se hace accesible a través de un casco de realidad virtual. Cada nueva tecnología proporciona una forma distinta de representar el cosmos, en última instancia, cambiando nuestra percepción de la realidad y nuestro lugar en ella. La realidad virtual ofrece una oportunidad única para experimentar lugares inaccesibles o inexistentes. En Phantom (Reino de todos los animales y todas las bestias es mi nombre) puedes mirar hacia arriba para ver frondosos árboles, ramas y follaje a tu alrededor. Miras hacia abajo para encontrar raíces y tierra, pero tus propios brazos o piernas no están allí. En la realidad virtual, somos incorpóreos y la realidad virtual es incorpórea en sí misma. Se esfuerza y ​​no reemplaza a lo que se refiere, disolviéndose en un todo más grande.

μ, 2017, es el segundo trabajo de Steegmann Mangrané presentado en el CAC y consiste en una serie de elementos esculturales suspendidos. La obra está formada por ocho cadenas de aluminio que llevan formas sinuosas, algo desconocidas y con reminiscencias del alfabeto que se ven dispersas en el espacio. Es la letra doce del alfabeto griego derivada del jeroglífico egipcio para agua. Las cadenas de aluminio cortan el South Hall en rodajas verticales, proponen múltiples caminos serpentinos para explorar en la exposición y dirigir aún más la mirada de los visitantes al paisaje invernal en escala de grises, visto a través de los amplios ventanales.

Daniel Steegmann Mangrané nació en 1977 en Barcelona y vive y trabaja en Rio de Janerio, Brasil. Ha realizado exposiciones individuales en la Fundación Serralves en Oporto, Portugal (2017), Museo de Arte Moderno Medellín en Antioquia, Colombia (2016), proyecto de espacio El Loro Verde en Barcelona (2016), Museo de Arte Moderno en Río de Janeiro ( 2015), Casa Modernista en São Paulo (2015), Centro de Arte Contemporáneo CRAC Alsace, Francia (2014), Casa França-Brasil en Río de Janeiro (2013). Sus obras han sido expuestas en exposiciones colectivas en el Centre Pompidou-Metz, Francia (2017), Biennale de Lyon (2017), Nuevo Museo Nacional NMNM de Mónaco (2017), el CAC en Vilnius (2017), el Museo Arario en Seúl (2016), la 9ª Bienal de Berlín en Berlín (2016), la New Museum Triennial en Nueva York (2015), la Kadist Art Foundation en París (2015), el centro de arte contemporáneo de Barcelona MACBA (2015), la 9ª Bienal del Mercosur en Porto Alegre, Brasil (2013) y 30ª Bienal de São Paulo, São Paulo (2012), entre otros. (CAC press-release)

Contemporary Art Centre. Vokieciu 2. LT- 01130 Vilnius. Lithuania

http://www.cac.lt/en

http://danielsteegmann.info
Image: Courtesy of the artist and Esther Schipper, Berlin.

PARIS. GUERNICA. Museo Nacional Picasso

27 marzo  - 29 julio, 2018.

Después de las celebraciones del 80 aniversario de la creación de la obra, el Musée national Picasso-Paris en colaboración con el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía presentan una exposición sobre "El Guernica", la gran obra maestra de Pablo Picasso. Este símbolo antifranquista, antifascista y pacifista llegó a Madrid en 1981 donde ahora se exhibe permanentemente. Gracias a una excepcional colección de bocetos y archivos, la exposición propone una lección sobre la historia del Guernica.
Pilar Albarracín realizará una performance conmemorativa sobre el Guernica como parte de las obras complementarias a la exposición "Guernica", y en la fecha del aniversario de este acontecimiento histórico (el 26 de abril de 1937). Su trabajo propone una reflexión a partir de la experiencia física para aproximar al espectador a "El Guernica", como símbolo del campo de batalla contemporáneo cubierto de cadáveres civiles después de un bombardeo y paralelamente nos propone una revisión del papel histórico/cultural de la mujer como máquina de sufrimiento.
La performance consiste en un centenar de mujeres que permanecerán tumbadas sobre el vientre, los costados o bocarriba, inmóviles formando un tapiz multicolor en el único acceso al espacio expositivo del museo y en el final del recorrido, en la salida obligatoria a la calle. El visitante que desee acceder a las salas y posteriormente salir de ellas se verá obligado a caminar sobre los cuerpos yacentes o a buscar un espacio entre ellos por donde circular. Esta acción integra al espectador en la propia obra como ya sucedería hace años en performances como "Imponderabilia" (1977) de Marina Abramovich y Ulay. (AC/E press-release)

Musée National Picasso 5 rue de Thorigny 75003 Paris.

http://www.museepicassoparis.fr

Imagen: Etude pour Guernica (Tête de cheval). Pablo Picasso, Paris, 2 mai 1937. Musée de la Reine Sofia, Madrid. Photo © Musée de la Reine Sofia, Madrid

 

BOURGES. Javier Perez. La Transpalette. EMMETROP

23 febrero – 5 mayo, 2018

El artista español Javier Pérez (Bilbao 1968) es conocido por su trabajo sobre el cuerpo, sobre la noción de restricción, confinamiento, potenciación de la identidad. El dibujo que movilizó ya en la década de 1980 ocupó un lugar prominente en su práctica. Luego se convierte en un documento subjetivo que cuestiona las posibilidades de representar las dificultades peculiares de cada ser humano para redefinirse permanentemente. Para Le Transpalette, se presentarán sus últimos trabajos: dibujos y esculturas. Aquí las cuestiones de identidad sustituyen a un interrogatorio sobre las relaciones entre el ser humano y el mundo y sobre la articulación entre cultura y naturaleza que se está redefiniendo actualmente. Pero parte de su trabajo se centra en las condiciones de aparición del arte en nuestras sociedades contemporáneas, su papel, su función, sus posibilidades de enunciación. En él, hacerlo se convierte en proceso y reclama una forma de animalidad. El artista interviene en un mundo de ingredientes activos donde une sus fuerzas a las suyas, unificándolas o dividiéndolas, sintetizándolas o destilándolas. En esta singular exposición, Javier Pérez plantea la cuestión de la responsabilidad del artista como individuo frente al poder creativo de la vida en un momento en el que cada vez tienen más fuerzas los oscuros intentos de negar las posibilidades.

El cuerpo humano es central en las obras de Javier Pérez, le da al cuerpo un significado diferente: en sus performances, dibujos, fotografía y escultura el cuerpo se ilumina distorsionado, fuerte y frágil al mismo tiempo.
Javier Pérez se centra en las fascinantes características del cuerpo humano que no pueden ser más contradictorias: la piel humana es extremadamente sensible y frágil, sin embargo, al mismo tiempo tiene la fuerza para controlar la potente masa del cuerpo, la compleja red de vasos sanguíneos que proporcionan al organismo sustancias esenciales. En la tradición de Borges, la mortalidad y la metamorfosis del cuerpo son fundamentales en sus obras.
El uso de materiales como látex, resina artificial, vidrio, acero, pelos de animales o partes de plantas subraya las posiciones contradictorias de estabilidad / fragilidad, dentro / fuera, atracción / rechazo. Javier Pérez vive y trabaja en Barcelona, ​​España.

La Transpalette. Association EMMETROP. 26 Route de la Chapelle, 18000 Bourges. FRANCIA

http://www.emmetrop.fr

http://javierperez.es

Imagen: Javier Pérez

BARCELONA. Francesc Torres. La Campana Hermetica. Espacio para una antropologia Intransferible. MACBA

10 marzo – 11 septiembre, 2018

En el marco de las prácticas artísticas contemporáneas, el trabajo de Francesc Torres (Barcelona, 1948) se encuentra a medio camino entre las propuestas de aquellos artistas que a mediados de los años sesenta se decantaron por la crítica institucional y las de aquellos que, en la década de los ochenta, intentaron la huida del mercado del arte realizando obras que únicamente eran viables dentro del espacio del museo. Torres fue uno de los impulsores de la tipología artística de la instalación multimedia, precisamente en el momento en que el expresionismo y la nueva pintura salvaje constituían las corrientes dominantes. Las instalaciones de Francesc Torres reflexionan de manera crítica sobre el poder, la política, la violencia, la memoria y la cultura de nuestro tiempo. 
Las Wunderkammer o gabinetes de maravillas fueron un fenómeno aparecido en la Europa del siglo XVI que reunía, junto a antigüedades y objetos artísticos, objetos excepcionales de la más variada naturaleza, como fósiles, corales, rarezas exóticas, armas, esferas armilares, etc. Eran artefactos que reflejaban el poder económico y también el conocimiento acumulado de sus propietarios, además de convertirse, con el paso de los años, en «cápsulas de tiempo» del momento en que fueron creados. El principio de acumulación más o menos sistematizada de ese período nos aproxima a La campana hermética de Francesc Torres: una Wunderkammer sui generis que es también acumulación de capas de sedimentos, yacimiento arqueológico, almacén, archivo, cerebro... Torres habla de la campaña arqueológica en la que se ha sumido, en complicidad con el MACBA, para rescatar de su archivo –y de su memoria– aquellos objetos y documentos que ha conservado durante años, rigurosamente ordenados, sin revisar. Al abrir cajas y carpetas de su archivo personal han aflorado, para sorpresa del propio artista, los antecedentes de los temas que Torres ha ido abordando y desgranando en su producción artística hasta la actualidad.
El potencial simbólico y la capacidad de originar pensamiento abstracto de la mayor parte de los objetos, juguetes e imágenes que el visitante hallará en esta «campana hermética» han dado lugar a las creaciones más críticas, agudas e inteligentes de la trayectoria artística de Francesc Torres. Antònia Maria Perelló. (Macba press-release)

MACBA . Plaça dels Àngels, 1 . 08001 Barcelona 

https://www.macba.cat/es

Imagen: Francesc Torres. La Campana Hermética. Espacio para una antropología Intransferible

ROTTERDAM. Juan Muñoz. Escultura hiperrealista 1973-2016. Kunsthal Rotterdam

10 marzo – 1 julio, 2018.

La exposición “Escultura hiperrealista 1973-2016” reúne una selección de 34 esculturas realizadas por los 26 artistas más representativos del movimiento. Es la primera exposición organizada con el propósito de mostrar una revisión profunda de la figuración humana a lo largo de los más de cincuenta años de existencia del hiperrealismo.

Desde las décadas de 1960 y 1970 diversos escultores se interesaron por una forma de realismo basada en la representación vívida y fidedigna de la figura humana. A través del uso de técnicas tradicionales, como el modelado, el fundido y la pintura, recrearon el cuerpo según diversas aproximaciones, pero con el objetivo común de crear una interpretación del realismo figurativo en clave contemporánea. En palabras de Ron Mueck, "Aunque dedico mucho tiempo a la superficie, es la vida interior la que quisiera capturar". La exposición revela modos diferentes de abordar la representación corporal a través de las cinco secciones en las que se ha dividido el recorrido: "Réplicas humanas", "Esculturas monocromas", "Partes del cuerpo", "El juego de las dimensiones" y "Realidades deformadas". De este modo, y mediante obras que sorprenden al espectador por su convincente apariencia de realidad, se ponen de manifiesto las múltiples maneras de tratar este tema artístico, su relación con expresiones diversas de la historia del arte y su evolución técnica, desde los inicios del movimiento hasta la actual era digital.

La selección incluye a todos los más destacados escultores hiperrealistas, comenzando por los pioneros norteamericanos George Segal, Duane Hanson y John DeAndrea. Continúa con la difusión internacional del movimiento: el español Juan Muñoz, el italiano Maurizio Cattelan, la belga Berlinde de Bruyckere, los australianos Ron Mueck, Sam Jinks y Patricia Piccinini o el canadiense Evan Penny, entre otros. La exposición pone así de relieve el carácter internacional del hiperrealismo y también su vigencia: la obra Lisa de John DeAndrea, recientemente finalizada, se presenta al público por vez primera. Para conseguir esta visión global, el Instituto para el Intercambio Cultural de Tubinga (Alemania) –con el que el museo colaboró en 2014 en la exitosa muestra sobre pintura hiperrealista ha conseguido préstamos de numerosas colecciones de todo el mundo, según la selección propuesta por su director, Otto Letze, comisario de esta exposición.  (Kunsthal press-release)

Kunsthal Rotterdam. Museumpark, Westzeedijk 341. 3015 AA Rotterdam. The Netherlands

https://www.kunsthal.nl

Imagen: Installation view Escultura hiperrealista 1973 – 2016, Museo de Bellas Artes de Bilbao. © Photo: Anders Sune

PARIS. Ignasi Aballi. Casi Invisible. Galerie Thomas Bernard

10 marzo – 21 abril, 2018.

Pensar en el trabajo de Ignasi Aballí (Barcelona 1958) y las oposiciones e inversiones que convoca de repente hace que esta frase recuerde al famoso Libro de la Intranquilidad: "La soledad me desespera; la compañía de otros me pesa. " de Fernando Pessoa. Cualquier analogía entre el artista catalán y el escritor portugués puede parecer perfectamente incongruente e irrelevante ya que este último, en particular, ha escrito su trayectoria literaria en el marco de una ficción radical; una ficción que es totalmente ajena al universo de Aballí, que, por el contrario, ancla su trabajo en lo real que le proporciona alimento para el pensamiento pero también materiales: ya sean objetos, recortes de periódicos, grabaciones, mediciones o ocurrencias del espectro de color entre otros ejemplos.

Pero, sin embargo ... De un lado o del otro, con referentes y resortes por supuesto muy diferentes, hay una lectura, un análisis del mundo que para muchos es una observación escrupulosa y lúcida no de su absurdo sino de elementos que hacen que la lectura sea compleja, porque se basa en incertidumbres y oposiciones vertiginosas e interminables.

Si la presente exposición se llama "casi invisible", la última del artista en la galería en 2015 fue "casi visible", mientras que la exposición dedicada a él en 2016 por el Museo Nacional Centro de arte Reina Sofía, en Madrid se tituló "sin principio / sin fin".

Otra vez, Pessoa: "Tomé la costumbre de sentir lo falso como lo verdadero, las cosas soñaron tan claramente como las cosas vistas, que perdí la capacidad humana, erróneo, me parece, para distinguir la verdad de mentir. Si no hay preocupación por la falsedad en Aballí, siempre hay una incertidumbre acerca de la verdad establecida.

Así que cuando expuso una larga serie de casi dos centenares de hojas de papel en cada uno de los cuales estaba registrada, apenas legible, el término "casi", seguido de un adjetivo siempre diferente (Casi, 2018). Nada es tan hermoso, pero "casi hermoso". El adverbio es recurrente y tenaz, un signo de la imposibilidad de conservar un significado definitivo, de encerrar la lectura y especialmente de significar un logro.

¿De esta inestabilidad constitutiva de la realidad, de la dificultad, de la imposibilidad?. Para garantizar que la naturaleza misma de las cosas esté de acuerdo con lo que creemos, Ignasi Aballí dibuja un trabajo complejo basado en similitudes y oposiciones que impone al otro, al espectador, la necesidad de elegir, para decidir qué lectura finalmente abraza de las que se le presentan. (Frederic Bonnet. Ext)

Las obras de Ignasi Aballí desafían permanentemente la atención y percepción del espectador. Utilizando estrategias características del arte conceptual, como el texto, el archivo y el documento, sus proyectos subvierten las distinciones entre géneros artísticos como la pintura, la literatura, la fotografía, la instalación, el cine y el vídeo y cuestionan, asimismo, el sistema de convenciones de la representación de la obra de arte y el valor cultural o económico de los objetos.
Desde los inicios de su trayectoria en los años 80, una serie de constantes y preocupaciones han centrado su labor: la invención y reorganización de textos, imágenes, materiales y procesos, confrontando la presencia y la ausencia, lo material y lo inmaterial, lo visible y lo invisible, la transparencia y la opacidad, la apropiación y la creación. Así, relaciona el exceso de imágenes en la sociedad actual con la escasez de significados que se les atribuye. La obra de Ignasi conjuga piezas con un alto contenido crítico, creadas mediante el uso de referentes cotidianos, para aludir a la propia exposición de su obra y al juego de la percepción por parte del espectador.

Galerie Thomas Bernard. 13 rue des Arquebusiers. F-75003. Paris

http://www.galeriethomasbernard.com/fr/

http://ignasiaballi.net

Imagen: Ignasi Aballí. Componentes del aire, 2017

 

 

MADRID. Nano4814. Turno de noche. Delimbo Gallery

17 febrero - 1 abril, 2018

“Intentar atravesar cualquiera de las obras de Nano 4814 (Vigo, 1978) implica adoptar la forma de un agujero: un espacio que aparece ante nosotros de manera lacónica y nos arrastra al regocijo de la sinestesia sabiendo que alguno de nuestros órganos sensoriales puede sufrir fracturas, transmutaciones o algún tipo de estropicio silencioso. Una vez dentro, seducidos por el recorrido de sus diáfanas trampas, aparece una suerte de destellos cargados de una cotidianidad que creemos digerir día a día, pero que, sin duda alguna, nos replantearemos a la salida” …. “Estos destellos mutan súbitamente en un escuadrón de espectros perdonavidas que nos ofrecen un menú de experiencias: conocer el olor de un hueso roto, escuchar el estallido de una pila de globos de cemento, o besar la hoja de una navaja tan afilada como el arcoíris” … “Podríamos decir que ese «constante intento de escabullirse» articula toda la obra del artista gallego; son esas estrategias de escape las que conforman un vasto imaginario que se pliega sobre sí mismo, a base de capas oscuras y trágicas, pero que han sido tejidas con hilos luminosamente ácidos. Al hablar de estas capas, me viene a la memoria una cita de Eva Fernández del Campo con la que abre su ensayo La infancia como patria: «Todos hemos sido niños enfermos, y seguramente por haber estado sumergidos en las infinitas dobleces de sábanas, mantas y colchas, podemos luego, de adultos, explorar estremecidos el intrincado sistema de dobleces en que la pintura consiste». Curiosamente, de esta cita también emerge otro de los pilares de la obra del artista: el juego. La importancia del homo ludens se manifiesta, en su caso, como una explosiva reivindicación de las travesuras de un niño, eso sí, con todas las responsabilidades encima del tablero, a la vista de los adultos” Daniel Muñoz

Nano 4814 comienza a utilizar la calle como soporte creativo a mediados de los años 90. Inspirado originalmente por las formas del graffiti tradicional, pronto sus piezas se cargan de particularidades icónicas y narrativas, desarrollando un mundo creativo propio, tanto a nivel estético como conceptual.

Tras licenciarse en Bellas Artes en la universidad de Pontevedra y una breve estancia formativa en Londres, estudiando en escuelas como Saint Martins School of Arts o el London College of Printing, se muda a Madrid en el 2004 para desarrollar su trabajo artístico exponiendo en galerías e instituciones tanto en España como en el extranjero.
De los proyectos en los que ha participado podríamos destacar “Planet Prozess” en Berlin, la exposición “Urbanitas” en el MARCO de Vigo o “Street Art” en la Tate Modern de Londres entre otros muchos.
Forma parte del colectivo artístico El Equipo Plastico, junto con Eltono, Sixe y Nuria Mora.
Su obra se nutre de los distintos campos creativos en los cuales actúa: desde el diseño o la ilustración, a sus intervenciones callejeras o su trabajo de galería, siendo este último el que le permite centrarse en conceptos más personales, trabajando con técnicas como el dibujo, la instalación, la escultura o la pintura mural.(Delimbo press-release)

DELIMBO GALLERY MADRID. Doctor Fourquet 30. 28012.

http://www.delimbo.com

Imagen: Nano4814

UTRECHT. Contemporarte 2018. Instituto Cervantes

9 – 31 marzo, 2018

Contemporarte es un proyecto nacido en 2008 que busca ser una plataforma de lanzamiento de artistas emergentes dentro de la comunidad universitaria, a través de un medio actual y cercano como es la fotografía contemporánea. Cada edición del proyecto se estructura en dos fases: un concurso en el que pueden participar los miembros de la comunidad universitaria de España, Países Bajos, Francia y Reino Unido, y una colección con las fotografías adquiridas que se exponen en diferentes instituciones españolas y europeas (como la que presentamos este mes en Utrecht).

Contemporarte se coordina desde la Universidad de Huelva (España) y forma parte de un grupo de actividades de fomento de la cultura universitaria denominado “Proyecto Atalaya”, organizado por las diez universidades públicas de Andalucía, y financiado por la Consejería de Economía y Conocimiento de la Junta de Andalucía.

Comisariado: Universidad de Huelva. Autores. Jesús Marina Barba, Cristina Monereo, Sandra Mirey, María Luna, Juan José Jiménez. Cronología: 2009/2018.

Instituto Cervantes (Utrecht) - Sala de Exposiciones / Expositiezaal . Domplein, 3. 3512 JC Utrecht (PAISES BAJOS)

http://utrecht.cervantes.es

http://culturauhu.wixsite.com/contemporarte

Imagen: Juan José Jiménez

PRAGA. Las Formas del Alma. Instituto Cervantes

22 marzo – 26 mayo, 2018.

Catorce artistas españoles interesados en la espiritualidad abordan el concepto de alma, permitiendo que las emociones desborden el entendimiento; dejando al visitante que se abandone a las evocaciones, visiones y simbolismos que las piezas le sugieran. La exposición parte de la muestra: «El Bosque Interior (las formas del alma)» planteada como conversación colectiva y atemporal con Teresa de Ávila que pudo verse en la Sala Juana Francés del Ayuntamiento de Zaragoza y en la Sede del Instituto Cervantes.

En muchos casos, nos encontramos ante creadores excesivos, que no contienen o enfrían sus emociones, por eso no es extraño que algunos sean rara avis en el contexto de su generación. La mayoría parten de la intuición y del cuerpo, y descubren y construyen durante el proceso de trabajo. La exposición se articula en tres áreas de fronteras porosas en las que la espiritualidad cotidiana, los rituales de iniciación y las visiones oníricas conviven, buscando generar en el visitante una experiencia emocional que se imponga a las respuestas intelectualizadas.

La exposición “Las formas del alma” está comisariada por Susana Blas, y muestra las obras de catorce artistas españoles: Chechu Álava, María Bueno, Soledad Córdoba, Antonio F. Elvira, Santiago Lara, Mireya Martín Larumbe, Vicky Méndiz, Mapi Rivera, José Luis Serzo, Paula Noya, Yolanda Tabanera, SUSO33, Marina Vargas y Juan Zamora.

Instituto Cervantes (Praga). Na Rybnícku 536/6. 120 00 Praga 2. República Checa.

http://praga.cervantes.es/cz

Imagen: Vicky Méndiz

Subcategorías