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Foto: B. Mora

MONTEVIDEO. FEMINISARTE IV. Centro Cultural de España

6 marzo - 26 mayo, 2018

El proyecto expositivo FEMINISARTE IV: Mujeres y narraciones estéticas genéricas comisariado por la reconocida crítica de arte Margarita Aizpuru, se concreta en una muestra colectiva internacional multidisciplinar de 18 mujeres artistas escogidas por su calidad y por la contundencia de su obra, de España, Brasil, México, Colombia, Suecia, Italia y Ecuador que trabajan desde diferentes discursos, tonos y técnicas, pero desde el techo común de interrelacionar géneros y prácticas artísticas, a partir de posiciones claramente feministas.  Todas son destacadas artistas con una gran proyección internacional, con presencia habitual en las grandes ferias de arte y exposiciones en museos de todo el mundo.  La exposición ocupa la  primera y segunda plantas del CCE en Montevideo.

 

En este terreno, y con el ánimo de visibilizar el rol activo de las mujeres en el arte desde muy diversas disciplinas, nace FEMINISARTE IV. Un trabajo en el que las 18 artistas internacionales presentan sus trabajos en seis bloques temáticos: Cuerpo, poder y violencia; Mujeres, feminidades, estereotipos y supeditaciones; Deconstrucciones paródicas de lo femenino; Narrativas corporales; Identidades múltiples; y Memoria y afecto.La cultura es un campo absoluto e indiscutible para materializar estos debates en los que las mujeres son protagonistas.  FEMINISARTE IV parte de diversos estudios en los que se pone de manifiesto que hay una falta notoria de presencia de obras realizadas por mujeres tanto en exposiciones temporales como en las colecciones permanentes de todos los museos del mundo.  Como expone Aizpuru: “en España las cifras de participación de las mujeres artistas en las exposiciones individuales y colectivas de los Museos y Centros de Arte Contemporáneo rondan, salvo excepciones, porcentajes del 20 % como máximo”.

Una exposición producida por la AECID – Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo- para llevar este mensaje por los centros culturales de España en los países iberoamericanos, tras su muy exitosa presentación en Madrid.

FEMINISARTE IV llega a Uruguay para remover y agitar debates en torno a feminismo y arte contemporáneo. El programa de la exposición se completa con diversas actividades paralelas, exposiciones y debates que se extienden desde el mes de marzo hasta mayo de 2018. Una muestra que se propone acentuar la visibilización de las mujeres artistas actuales y la difusión de los discursos y planteamientos de género en las artes plásticas y visuales.

Artistas participantes:
Marisa GonzálezAmalia OrtegaMaría CañasMarina Núñez, Marina Rodríguez Vargas, Mar García RanedoCristina MejíasMara LeónPaloma NavarésMaría La Ribot y Carmela García, todas ellas españolas; y Beth Moyses (Brasil), Ambra Polidori (México), Teresa Serrano (México), Natalia Granada (Colombia), Anna Jonsson (Suecia), Teresa Ribuffo (Italia), Maria José Argenzio (Ecuador).

Margarita Aizpuru Domínguez es crítica de arte contemporáneo, comisaria de exposiciones y actividades artísticas, investigadora y docente. Ha trabajado en el Departamento de exposiciones temporales del Centro Georges Pompidou y de la Fundación Cartier de París, así como en el capc Centro de Arte Contemporáneo de Burdeos, en Francia. Ha sido programadora de artes visuales en la Casa de América de Madrid, y del área Zona Emergente del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo de Sevilla, en España. Ha comisariado numerosas exposiciones de artes visuales contemporáneas, desde inicios de los años 90, siendo especialista en arte, género y feminismo, arte y performance, videoarte, fotografía y nuevas tendencias en las artes visuales.(CCE Montevideo press-release)

Centro Cultural de España. Rincón 629, Montevideo, Uruguay

http://www.cce.org.uy

Imagen: Marina Rodríguez Vargas

LONDRES. Uriel Segui. Un Collage de dibujos. Luna13 Galeria. Spanish House

16 marzo - 29 abril 2018

Luna13 Galería presenta en colaboración con la Spanish House la exposición “Un Collage de dibujos” de Uriel Segui.

Uriel Seguí es doctor arquitecto, profesor de universidad, artista, creador incansable y sobre todo una persona con una gran pasión por la vida. Nacido en Madrid en 1969, su extensísima obra artística abarca distintas técnicas desde la pintura sobre lienzo, tabla o pared a instalaciones y dibujos y ha sido expuesto por todo el mundo en galerías como la 8th Floor Gallery de New York, el Circulo de Bellas Artes de Madrid, o en ferias como ARCO o las Bienales de Estambul, Venecia y Florencia entre otras.

Uriel se define como un dibujante obsesivo y desinteresado, que no puede estar mucho tiempo seguido sin dibujar. “El arte de dibujar es una enfermedad sin la cual y valga la contradicción no podría vivir” y confiesa que este vicio hace que muchos planes le dejen de interesar para no interrumpir su incansable necesidad de dibujar.

Al hablar de dibujar utiliza la palabra articular, “ya que los dibujos se van configurando al ir superponiendo trazos, al ir haciéndose”. “Aunque es la mano diestra la que articula las huellas es la siniestra la verdadera promotora y responsable del vicio, ya que es esta la que al no actuar activamente se permite el lujo de pensar, de sujetar el vicio, de soportarlo, de fijar la hoja o la regla de manera firme, para que la otra pueda bailar sin parar”.

En esta muestra se presentan 49 dibujos pertenecientes a 9 series y otros 5 dibujos individuales. Los dibujos de las series son todas del mismo tamaño hechos en diferentes momentos, con distintas técnicas y materiales que van formando un gran collage de dibujos.  Según Uriel Seguí “Esta es una exposición didáctica, configurada a partir de procesos de dibujo que proceden de diferentes puntos de arranque y que se ha ido convirtiendo en un gran collage de dibujos de diferente procedencia, que han pasado a comunicarse con otros dibujos y otros procesos, para formar parte de una obra que siempre  excede a cualquiera de los dibujos que la componen”. (Luna 13 press-release)

Spanish House London. 26-32 Voltaire Road. London. SW4 6DH. United Kingdom

https://luna13galeria.com

https://www.urielsegui.com

Imagen: Uriel Seguí

MUNICH. Teresa Solar. Fe Ciega: Entre lo visceral y lo cognitivo en el arte contemporaneo Haus der Kunst

2 marzo – 19 agosto, 2018

Las tensiones geopolíticas y los inquietantes desarrollos ecológicos, sociales y económicos desafían el actual orden mundial. Ante tanta incertidumbre creciente, la confianza en los pilares de nuestra sociedad está disminuyendo continuamente. Aunque ciertamente no es la primera vez en la historia que el mundo parece ser un lugar precario, hay una diferencia crucial y sin precedentes que ha cambiado fundamentalmente la manera en que percibimos y nos enfrentamos a los conflictos actuales: el mundo ahora está digitalizado.
Los artistas en la exposición Fe Ciega (Blind Faith) comparten una duda creciente sobre este medio de ver el mundo. En consecuencia, cuestionan los métodos convencionales actuales de medición y evaluación de nuestra existencia y responden recurriendo al cuerpo y a la mente humana como fuente de conocimiento y cámara de resonancia para las realidades políticas y sociales. “Fe Ciega: Entre lo visceral y lo cognitivo en el arte contemporáneo” (Blind Faith: Between the Visceral and the Cognitive in Contemporary Art) reúne a 28 artistas internacionales que ven el cuerpo no solo como una metáfora, un sitio para el examen o una fuente de información, sino también como su material en el sentido más literal. En la búsqueda de la realidad y la verdad en el mundo, la percepción sensual y los estados psicológicos alternativos se investigan con vistas a su potencial para expandir la conciencia. Se examina el valor informativo de las partes del cuerpo y los órganos, y se muestran tanto la funcionalidad como la vulnerabilidad del cuerpo. Adoptando una amplia gama de medios tales como dibujo, escultura, video, instalación, robótica, animación, sonido y performance, los artistas exploran nuestra comprensión del presente. Examinan los límites del lenguaje y la producción de conocimiento, reconsideran los modelos de historiografía y ficción, y se sumergen en los orígenes de la vida misma. Sugieren nuevos sistemas de aprendizaje, establecen narrativas alternativas o muestran rituales bajo una nueva luz. Mientras que la expresión "fe ciega" parece, a primera vista, abordar los peligros metodológicos asociados con una patología del momento contemporáneo, las visiones artísticas en la exposición demuestran un nuevo y crítico, pero a la vez holístico medio de ver y comprender tanto lo físico como lo espiritual.

Teresa Solar Abboud (Madrid, 1985) Vive y trabaja en Madrid, su trabajo gira en torno a prácticas heterogéneas que se materializan en obras audiovisuales y escultóricas, en las que los lenguajes de las dos disciplinas se conectan e interactúan.

Artistas participantes: Ed Atkins, Kader Attia, Olga Balema, Melanie Bonajo with Théo Demans and Carolin Gießner, Mariechen Danz, Cécile B. Evans, Andrea Éva Győri, Benedikt Hipp, Nicholas Hlobo, Marguerite Humeau, KAYA (Kerstin Brätsch and Debo Eilers), Hanne Lippard, Wangechi Mutu, Otobong Nkanga, Jon Rafman, Naufus Ramírez-Figueroa, Mary Reid Kelley with Patrick Kelley, Lili Reynaud-Dewar, Raphael Sbrzesny, Jeremy Shaw, Teresa Solar Abboud, Jol Thomson, and David Zink Yi with Angie Keefer. The exhibition is curated by Julienne Lorz, Daniel Milnes and Anna Schneider.(Haus der Kunst press-release)

Haus der Kunst . Prinzregentenstraße 1. 80538 Munich

https://hausderkunst.de

http://teresolar.com

Imagen. Teresa Solar Abboud. Ground control. 2018

MEXICO. Unfinished. Centro Cultural de España

18 marzo – 2 junio, 2018

Analizando el fenómeno español, deben existir pocos lugares en el mundo donde en un periodo tan corto de tiempo se erigieran tal cantidad de edificios, sin otra finalidad en muchos casos que alimentar el voraz motor de la economía. La ausencia de reflexión respecto a la necesidad o vigencia de estas obras hizo que muchas quedaran abandonadas debido a la inviabilidad económica para su finalización o mantenimiento. Su materialización en el territorio español ha generado una colección de edificios inacabados, que ejemplifican la sinrazón de los últimos años, donde la consideración del factor tiempo se sustrajo de la fórmula para hacer arquitectura.

La exposición Unfinished pretende dirigir la atención al proceso por encima del resultado, con el fin de descubrir estrategias de proyecto surgidas de la mirada optimista hacia el entorno construido. La muestra recoge ejemplos de arquitecturas realizadas en los últimos años, nacidas de la renuncia y de la economía de medios, pensadas para evolucionar y adaptarse a necesidades futuras y que confían en la belleza del paso del tiempo. Proyectos que entienden la arquitectura como inacabada, en constante evolución, y al servicio del ser humano, en un momento de incertidumbre respecto a la profesión que hace relevante su consideración en nuestros días.

Dada la pertinencia del concepto de arquitectura inacabada en un país como México, sumado a que España es uno de los países donde el impacto de la crisis económica más ha afectado a la práctica de la arquitectura, Unfinished se presenta como un proyecto que abona reflexión y espacio de discusión a una problemática actual que padecen las grandes ciudades.

El grueso de la exposición Unfinished presenta un total de 55 proyectos arquitectónicos españoles contemporáneos organizados en 9 categorías (Consolidate, Reapropiation, Adaptable, Infill, Naked, Perching, Reassignments, Guides y Pavements), además de la muestra colectiva Visions que presenta una selección de siete series fotográficas de artistas y colectivos españoles que trabajan en consonancia con la temática de la muestra.

Curaduría: Iñaqui Carnicero (Es) Es Arquitecto y doctor internacional por E.T.S.A.M. donde ha sido Profesor Asociado durante 12 años hasta el año 2012 que comienza una nueva etapa como Profesor Visitante en la Universidad de Cornell en EEUU. Desde entonces ha sido conferenciante y crítico invitado en diversas universidades como Harvard GSD, M.I.T., Rice, Berkeley, Columbia, Cooper Union, Buffalo, AIA NY, Hong Kong University, Politécnico de Milano, Roma Tre, ETH de Zurich, KTH de Estocolomo entre otras. Su labor profesional combina la investigación, la docencia y la práctica de la arquitectura. (www.ricastudio.com) con doble sede en Madrid y Nueva York.

Carlos Quintáns (Es) Es Profesor del departamento de Construcciones Arquitectónicas de la Escuela de A Coruña y director de revista Tectónica, además de arquitecto también reconocido con premios como el COAG, FAD o la Bienal de Arquitectura Española. La docencia, la investigación, difusión y la construcción son un todo continuo a lo largo de los años. Algunas etapas y líneas de trabajo que deben destacarse en su trayectoria son las siguientes: La docencia ha correspondido a asignaturas de construcción en la escuela de arquitectura de Coruña y accidentalmente otras de proyectos en otras universidades.

Centro Cultural de España en México Pasaje cultural Guatemala 18- Donceles 97 Colonia Centro Delegación Cuauhtémoc, 06010 México, D.F

 http://ccemx.org

Imagen: UNFINISHED. Image © Laurian Ghinitoiu

NUEVA YORK. Laia Cabrera. SELF ON THE SHELF. Times Square. Spring Break Art Show 2018

6 – 12 marzo, 2018.

La artista española Laia Cabrera e Isabelle Duverger crean conjuntamente una instalación interactiva para Spring Break Art Show 2018. A través de un mapeo de proyección interactiva inmersiva, videoarte, ilustración y animación, Laia Cabrera e Isabelle Duverger, en colaboración con el diseñador de interacción Nicola Carpeggiani, crean el dormitorio de un niño dándole vida, ya que responde a una serie de pistas que se le darán a los visitantes cuando entren a la habitación.

Extraído de una publicación de 2012 sobre el hijo de Chris y su relación con James, su primer duende en el estante, nació el concepto de este extraño del Polo Norte. Los espectaculares efectos visuales transformarán la habitación mientras el espectador explora los sentimientos las emociones y límites entre la realidad y la fantasía.

Laia Cabrera es una directora de cine, compositora, escritora y video artista española establecida en Nueva York desde 1997. Como cineasta y artista visual utiliza varios medios y disciplinas en sus creaciones produciendo una amplia gama de proyectos multimedia, desde cine tradicional e experimental, artes performáticas, teatro virtual, video mapping/diseño de proyección y site-specific video instalaciones como St. "Jordi in New York: Dragons & Books & Roses” projection mapping en el corazón del Greenwich Village, Manhattan, New York"; “Aire" Tempietto di Bramante, Roma; “Art all Night”, Washintong DC); "Untitled Mind" (Nuit Blanche, Washington DC), “Claim your Place” (Nuits Euphoriques, France), la instalación visual "Shifting Gaze" presentada en Times Square, NYC, Georgetown Glow Festival en Washington DC y con gira international, entre otros.

En sus piezas explora nuevas maneras de utilizar el espacio y el imaginario visual como herramienta narrativa y conexión con el publico. Su trabajo en cine, videoarte y diseño de proyección ha sido presentado en Europa, EEUU y Latinoamérica. Laia Cabrera a lo largo de su carrera ha recibido varios galardones entre los que se incluyen el premio KrTU a proyectos de innovación, el apoyo a la creación del Consell Nacional de la Cultura i de les Arts (CONCA),y el Kodak Color Lab Award de Nueva York por el film “Under Influence”. Laia Cabrera es ganadora del premio a Mejor Producción Artistica por la pieza multimedia “Night” y consecutivamente nominada como Outstanding Innovative Design (Projection Design, Video-Art and Animations) en el New York Innovative Theater Awards en 2013- 2014 y 2015. Ha ganado varios Telly and AVA Awards por Dirección de Arte, video animación y documental.

4 Times Square, New York, NY 10036. Entrance at 140 West 43rd Street

http://www.springbreakartshow.com

http://www.laiacabrera.com

Imagen: Laia Cabrera. SELF ON THE SHELF

COLONIA. Joan Hernandez Pijuan. Galerie Boisseree

21 marzo - 28 abril, 2018.

Por segunda vez, la Galerie Boisserée presenta una exposición individual del artista español Joan Hernández Pijuan, (Barcelona 1931 - 2005 Barcelona). Ha participado en numerosas exposiciones de arte español contemporáneo, en 1967 en la Kunsthalle Nürnberg o en 1975 en la gran exposición itinerante "Contemporary Spanish Painters" en los Estados Unidos. Además, el Museo Nacional Reina Sofía en Madrid en 1993, celebró una retrospectiva  del trabajo de sus últimos veinte años. Hernández Pijuan participó en el pabellón español en la Bienal de Venecia en 1960, 1970 y 2005. Su trabajo ha sido galardonado varias veces, recibió. a. 1981, el Premio Nacional de Bellas Artes (Premio Nacional de Artes Plásticas). La exposición muestra obras del último trabajo de los últimos 24 años de la obra del artista; un tiempo caracterizado por el retorno a la simplicidad y la reducción. Hernández Pijuan.

Hernández Pijuan solo encontró su tema principal desde la década de 1970 en adelante: el paisaje de Cataluña. El catalán, profundamente arraigado en su tierra natal de Folquer, se ha sumergido en la naturaleza circundante, atrayéndola y llevándola al papel y al lienzo a través de un largo proceso de reflexión. Al hacerlo, nunca pinta directamente un objeto que está frente a él, sino que invoca sus motivos e impresiones sensoriales de su memoria. Sin embargo, sus motivos están inseparablemente ligados a lugares concretos y nunca imaginarios.
Su obra tardía se caracteriza por sus pinturas al óleo que consisten en muchas capas de pintura empastadas, en cuya capa superior aún graba o dibuja sus motivos, como si flotara libremente. Los dibujos de aspecto simple son cualquier cosa menos concisos y de rápida creación, sino más bien el resultado de muchos años de profundo examen de los colores y formas de la naturaleza en el norte de España. Los motivos que elige se repiten: árboles, nubes, flores, campos o casas. Y sin embargo, son diferentes cada vez, como un niño que siempre mira el mundo con una nueva apariencia. El diálogo entre la pintura y el dibujo y, al mismo tiempo, entre la abundancia y el vacío es característico del compromiso de Hernández Pijuan con el tema "espacio". Los colores utilizados por Hernández Pijuan también están orientados hacia el paisaje catalán y se reducen al mínimo: un amarillo rico, un azul celeste o un rojo siena dominan, pero en su obra tardía los colores blanco y negro en particular.

La exposición de Colonia incluye cerca de 40 obras del período comprendido entre 1980 y 2004. Presenta diez lienzos, incluidas importantes obras de gran formato como, por ejemplo, "Casa núvols i pluja sobre blau" (Casa, nubes y lluvia sobre azul) de 1990, "Núvol blanc - 4" (Nube blanca) y "La casa y la flor al maig" (Casa y flor en mayo), ambas de 1991. Además, presenta numerosas obras en papel, que siempre han sido de gran importancia para Hernández Pijuan y son equivalentes a las del lienzo, con un enfoque particular en un ciclo de cuatro gouaches verticales de gran formato en papel de 1990 titulado " "La lluna", "L'arbre", "La pluja" y "El sol" (La luna, el árbol, la lluvia y el sol).
Las obras presentadas transmiten al visitante la versatilidad del trabajo de Hernández Pijuan. Todo el trabajo tiene en común es el amor ilimitado del paisaje y la búsqueda del silencio y la reducción.  Una selección de las obras se mostrará en una exposición especial en el stand de la Galería Boisserée en ART COLOGNE de este año (del 19 al 22 de abril de 2018).

Galerie Boisserée Drususgasse 7-11. D-50667 Colonia. Alemania

http://www.boisseree.com

http://hernandezpijuan.org

Imagen: Joan Hernández Pijuan. "Núvol blanc- 4" 1991.

MILWAUKEE. Jaime Hayon: Technicolor. The Bradley Family Gallery. Milwaukee Art Museum

hasta el 25 marzo 2018

“Jaime Hayon: Technicolor” ilumina el invierno en Milwaukee con un colorido toque de diversión y fantasía. La exposición presenta el trabajo de dos décadas de la carrera del diseñador y artista español, que incluye textiles, cerámica, vidrio, dibujos y juegos infantiles. Estos trabajos representan una amplia gama de enfoques para hacer, pensar y ver, al tiempo que permanecen unidos por un refrescante sentido de fantasía lúdica.
Jaime Hayon se formó en su Madrid natal y en París antes de dirigir el departamento de diseño en Fábrica, la academia de diseño y comunicación financiada por Benetton en Italia, durante casi una década. En 2003, dejó La Fábrica para centrarse  en su propia obra de estudio. Hayon Studio ahora tiene oficinas en Italia, España y Japón y está reconocido en todo el mundo.
En el centro de la exposición Technicolor, un conjunto de textiles y cerámicas que, como la mayoría de los proyectos de Hayon, comenzaron como dibujos, algunos de los cuales se incluyen en la exposición. Hayon utiliza el dibujo como una herramienta de exploración, lo que le permite construir creativamente los personajes y escenas que pueblan su trabajo. Al hacerlo, se basa en el reino fantástico de su propia imaginación y en sus viajes de largo recorrido. Incluye en su exposición los gráficos audaces de la cultura del skate y el arte callejero, en el que estuvo inmerso cuando era adolescente. Los detalles que esperan ser descubiertos en Technicolor, desde colmillos de vampiros sutilmente siniestros hasta casas revueltas, brindan una amplia oportunidad para que los espectadores usen su propia imaginación mientras experimentan con las obras
Los materiales y el proceso también son importantes para la concepción de Technicolor de Hayon, especialmente la relación entre la máquina y la producción manual. Los tejidos se tejieron en el TextielLab del Museo Textil de Tilburg en los Países Bajos en telares Jacquard, una tecnología de siglos de antigüedad que automatiza la producción textil. Hayon trajo esta tecnología al siglo XXI al incorporar nuevos materiales sintéticos, incluidos algunos que producen superficies metálicas brillantes para los tejidos. Las cerámicas Technicolor exhiben una calidad híbrida comparable; los recipientes fueron fabricados por la empresa de cerámica italiana Bosa antes de ser pintados por Hayon. Esta mezcla y combinación entre máquina y producción manual es un tema común en la Colección de Diseño del Museo, que busca complicar los límites entre arte, artesanía y diseño a través de obras como el cuenco Repeat de la colección de Hella Jongerius, que se atreve a mezclar cerámicas con hilo de algodón.

Finalmente, los trabajos más recientes en la exposición son un conjunto de trabajos de vidrio, titulados Afrikando. Encargados específicamente para la Colección permanente del Museo de Arte de Milwaukee, esta "familia" (como lo describe Hayon) de siete vasijas infunde la historia legendaria del vidrio soplado de Murano con la sensibilidad única de Hayon.  Jaime Hayon: Technicolor is organized by the High Museum of Art, Atlanta, and on view at the Milwaukee Art Museum in the Bradley Family Gallery. (MAM press-release)

Milwaukee Art Museum. 700 N. Art Museum Drive, Milwaukee, WI 53202

https://mam.org

http://www.hayonstudio.com

Imagen: Installation view of Jaime Hayon: Technicolor, Milwaukee Art Museum, 2017. Photo by John R. Glembin

 

LONDRES. Mauro Vallejo y Monica Restrepo. Localizar fuera del signo. SCAN Project Room

3 – 31 marzo, 2018

Este proyecto expositivo comisariado por Rafael Barber, con participación de los artistas Mauro Vallejo y Mónica Restrepo, es resultado del proyecto de investigación del comisario realizado en la residencia 'Lugar a dudas' en Cali-Colombia, que estuvo apoyada por Acción Cultural Española a través de las ayudas al PICE.
'Locating Outside the Sign'  (Localizar fuera del signo) es una exposición de arte contemporáneo creado a partir de la película 'Ce’ gamin la', (ese chico de ahí) realizada en 1975 por Renaud Victor sobre las comunidades de niños autistas de Les Cévennes en el sur de Francia. Estas comunidades fueron creadas por Fernand Deligny, un pensador revolucionario que investigaba las posibilidades de comunicación más allá del lenguaje entendiendo estas como herramientas de producción de contenido libertario. 
'Localizar fuera del signo' toma esta película como catalizador en el espacio y el tiempo para configurar un ecosistema que presenta las obras de artistas que entienden su práctica como una herramienta capaz de debilitar el signo a través de su puesta en escena. El signo entendido como un elemento de poder que puede ser atenuado investigando sus recovecos y sus manifestaciones casuales, descontextualizándolo para hacerlo navegable o habitable mas allá de su función simbólica. (AC/E press-release)

 THE SCAN PROJECT ROOM. 13-19 Herald Street, London E2 6JT. Bethnal Green Tube Station

http://www.scan-arte.com

http://www.maurovallejo.com

Imagen: Mauro Vallejo

TEGUCIGALPA. Del trazo al pixel. CCE

1 – 30 marzo, 2018

Este programa de cine sobre la animáción española organizado por AC/E y el CCCB presenta un ciclo con varias sesiones sobre la historia del género desde sus orígenes hasta las actuales ficciones independientes. Incluye hitos fundacionales como 'Garbancito de la Mancha' o ‘El mago de los sueños', pero sobre todo incide en un sector independiente y artístico cada vez más potente.
El programa de cine incluye unos 60 títulos para la gran pantalla y otros tantos para un triple DVD-catálogo que lo acompaña. Una antología de piezas históricas olvidadas y trabajos recientes en el centenario del nacimiento del cine animado en España.
La selección de obras que lo componen ha estado a cargo de la comisaria Carolina López. Incluye  películas de autores como Segundo de Chomón, Josep Escobar, Francisco Macián, José Luis Moro, Jordi Amorós, Tomàs Bases, Raúl García, Juan Pablo Etcheverry, Isabel Herguera,  Javier Mariscal, Anna Solanas, Marc Riba, Alberto Vázquez, Pedro Rivero, Izibene Oñederra, Nicolai Troshinsky y Rocío Álvarez entre muchos otros.
Del Trazo al Píxel ha supuesto un trabajo de dos años de investigación y recuperación de materiales algunos de los cuales estaban fuera de circulación debido a su estado de conservación. El proyecto ha contado con la colaboración de la Filmoteca de Catalunya, la Filmoteca Española y Movierecord, entre otras empresas y entidades.
Algunas de las piezas menos conocidas y sorprendentes de este ciclo son: Garbancito de la Mancha (Arturo Moreno, 1945), primer largometraje de dibujos animados en color de Europa; anuncios en blanco y negro de los años 30 de dibujantes catalanes como Serra i Massana y Ferran; La Edad de Piedra (Gabriel Blanco, 1965), con dibujos de Chumy Chúmez; los spots de los Estudios Moro y Estela, un breve film de Frederic Amat creado para la ocasión. (AC/E press-release)

Centro Cultural de España en Tegucigalpa. 655 Calle de la Colonia Palmira, Tegucigalpa, Honduras

http://ccet-aecid.hn

Imagen: Minotauromaquia: Pablo en el Laberinto. Juan Pablo Etcheverry, 2004

TUNEZ. Sendas del Comic Español. Presbiterio Santa Cruz

6 – 28 marzo, 2018

La dinámica realidad del cómic árabe actual tiene mucho en común con el momento que vivió el tebeo español en los años setenta. Una bulliciosa creatividad luchando por lograr un reconocimiento artístico y de público para un arte considerado como un género menor, todavía encasillado en el mundo infantil. El camino recorrido en estas décadas por el cómic español, ya asentado en el mercado interno y con cada vez más proyección en el escenario internacional, puede ser una fuente de inspiración para artistas árabes que están recorriendo ese mismo viaje a una velocidad vertiginosa.

Es una oportunidad para conectar dos mundos que, más allá de la retórica de una historia pasada común, tienen mucho que compartir, como una presencia idiomática muy amplia pero que no se traduce matemáticamente en términos de mercado. Otro posible punto de enriquecimiento mutuo es la fuerte presencia de las artistas árabes de cómic, con un mayor peso en la industria que las españolas.

 Esta exposición se centra exclusivamente en la novela gráfica más actual porque es precisamente este espacio donde más necesidades presenta la industria árabe de viñetas y bocadillos. Presentamos una selección con variedad de autores, estilos, formatos narrativos, historias y públicos a los que se dirigen. Una selección pensada para sugerir caminos y establecer vínculos que acompañen al cómic árabe en la búsqueda de sus propias sendas para afianzar el trabajo realizado en las dos últimas décadas.

Artistas participantes: Juan Díaz Canales, Cristina Florido y Francisco Ruizge, Alberto Madrigal, José Luis Munuera, Miguelanxo Prado, Javi Rey, Emma Ríos, Paco Roca, Xulia Vicente y Manuel Gutiérrez, Alfonso Zapico. Comisario: Pedro Rojo Pérez. Diseño: Paco Gómez. (Fundación Alfanar press-release)

Presbiterio Santa Cruz . 14 Rue Jemaa Zeitouna. 1001 Túnez (TUNEZ)

http://www.fundacionalfanar.org

Imagen: Emma Rios

 

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