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Foto: B. Mora

BERLIN. Unfinished. Akademie der Kunste

10 febrero – 18 marzo, 2018

El contenido del pabellón de España en la 15ª Bienal de Arquitectura de Venecia es una respuesta al llamamiento de Alejandro Aravena "Reporting from the Front" en el que se invita a cada país a compartir experiencias en los momentos de crisis que la arquitectura ha experimentado en los últimos años

La exposición UNFINISHED se exhibió en el Pabellón de España de la Bienal de Arquitectura de Venecia en 2016, donde ganó el León de Oro.  Los proyectos seleccionados por los comisarios Iñaqui Carnicero y Carlos Quintáns, muestran la respuesta de los arquitectos ante la crisis económica y de la construcción en los últimos años en España a través de virtudes que pueden convertirse en estrategias o especulaciones creativas, capaces de subvertir condiciones del pasado en acciones positivas contemporáneas. Producción y co-organizadores: Gobierno de España, Ministerio de Fomento, Acción Cultural Española.

Akademie der Künste. Pariser Platz 4. 10117 Berlin

https://www.adk.de

www.unfinished.es

Imagen: Pabellón de España. Bienal de Arquitectura. Venecia 2016

LIVERPOOL. Marcos Moreno. Sin fronteras. Universidad de Liverpool

5 marzo – 27 abril, 2018

Bajo el nombre de “Sin Fronteras”, el fotógrafo Marcos Moreno muestra en sus instantáneas la tragedia de la inmigración en el Estrecho, imágenes que han dado la vuelta al mundo de manos de su cámara y de su trabajo como fotoperiodista

Nacido en 1974 en La Línea de la Concepción, Marcos Moreno es corresponsal colaborador de diversas agencias fotográficas como AFP (Agence France Presse), Getty Images, AP (Associated Press) o el diario El País. Su trayectoria le ha dado reconocimientos de la importancia del Premio Nacional de Periodismo Mingote o el Premio Nacional de periodismo Fuerzas y Cuerpos de Seguridad del Estado. Ha publicado el libro “Amén” y ha colaborado en el libro Vía Crucis de Cádiz, editado por el Grupo Joly.

Universidad de Liverpool . Dept of Hispanic Studies,Modern Languages Bui
L69 7ZR Liverpool (REINO UNIDO)

http://www.marcosmoreno.com

https://www.liverpool.ac.uk

Imagen: Marcos Moreno

BARCELONA. Antoni Tapies. T de Teresa. Fundacio Tapies

6 febrero – 28 octubre 2018

 

La exposición incluye la serie de dibujos Sèrie Teresa (Serie Teresa, 1966) junto con la serie de litografías, litocollages y collages Cartes per a la Teresa (Cartas para Teresa, 1974). Estas obras celebran un lenguaje privado, accesible solo para aquellos que lo utilizaron.

En Memòria personal (Memoria personal, 1977) Tàpies la recuerda con “el verdor claro de sus ojos, sus cabellos finos y rubios, sus pómulos eslavos y sus atrayentes labios…” 

Antoni Tàpies (1923-2012) conoció a Teresa Barba (1934) a finales de la década de 1940. Por aquel entonces ella era aún muy joven. Pocos años antes había perdido a su madre y tuvo que hacerse cargo de sus cinco hermanos, a la vez que cuidaba de su padre. Todo ello le confirió una madurez y una humanidad poco corrientes para alguien de su edad. Durante la estancia del artista en París el bienio 1950-1951 intercambiaron una correspondencia intensa y frecuente que los unió a través de vínculos íntimos. Al volver de París formalizaron su relación y en octubre de 1954 Antoni Tàpies y Teresa Barba se casaron en Barcelona.

La presentación de la serie de dibujos Sèrie Teresa (Serie Teresa, 1966) junto con la serie de litografías, litocollages y collages Cartes per a la Teresa (Cartas para Teresa, 1974) rinden homenaje a la relación de los dos. Estas obras celebran un lenguaje privado, accesible solo para aquellos que lo utilizaron. Los dos bloques de trabajo despliegan un repertorio de signos sin traducción para los espectadores. Todo un gesto que preserva la intimidad de la pareja a pesar de las alusiones explícitas a la domesticidad y a la sexualidad compartida.

Los dos títulos remiten a la metodología de la música serial con la que se explora la combinatoria de la serie de los doce tonos. Tàpies consideraba que la música, liberada de la narratividad más tradicional, constituía una forma de expresión más pura. Por eso traslada esta metodología al dibujo. Cuando en 1971 realizó la serie Cartes per a la Teresa (publicada en 1974 en forma de carpeta), el artista juega con el doble significado de la palabra carta. Por un lado, el de la comunicación escrita que alude a la correspondencia amorosa entre

Teresa y él y, por otro, un sentido mucho más esotérico, el que hace referencia a una baraja que sirve para jugar a ciertos juegos o para hacer trucos de ilusionismo. Teresa es también el nombre que carga con un sentido político. Tal como Tàpies dejó dicho en los fragmentos de su autobiografía, en los “primeros años sesenta,[...] con Teresa iba viviendo más y más de cerca las injusticias que se hacían a nuestro pueblo, tan vejado, a las clases trabajadoras, a la gente sacrificada de la oposición… Y también las luchas que se estaba obligado a mantener para pedir los derechos más elementales en cualquier país democrático, luchas con las cuales tanto Teresa como yo nos sentíamos cada vez más identificados”. (F.Tápies press-release)

Fundació Antoni Tápies. Aragó 255. 08007 Barcelona

https://www.fundaciotapies.org

Imagen: Fundació Antoni Tápies

LONDRES. Picasso 1932: Amor, Fama, Tragedia. Tate Modern

8 marzo - 9 septiembre, 2018

“Picasso 1932: Amor, Fama, Tragedia” será una de las más importantes exposiciones que la Tate Modern haya presentado nunca. Llevará a los visitantes a un viaje mes a mes en 1932, un momento tan crucial en la vida y el trabajo de Picasso que se lo ha llamado su "año prodigioso". Más de 100 excepcionales pinturas, esculturas y obras en papel  demuestran su carácter prolífico, inquieto e inventivo. Se eliminan los mitos comunes para revelar al hombre y al artista en toda su complejidad y riqueza.
1932 fue un año extraordinario para Picasso, incluso según sus propios estándares. Sus pinturas alcanzaron un nuevo nivel de sensualidad y consolidó su estatus de celebridad como el artista más influyente de principios del siglo XX. En el transcurso de este año creó algunas de sus obras más queridas, desde retratos saturados de color hasta dibujos surrealistas, desarrollando ideas de las voluptuosas esculturas que había hecho en su finca de campo recién adquirida.
En su vida personal, a lo largo de 1932, Picasso mantuvo un delicado equilibrio entre atender a su esposa Olga Khokhlova y a su hijo Paul, de 11 años, y su apasionada historia de amor con Marie-Thérèse Walter, 28 años menor que él. La exposición dará vida a estas complejas dinámicas artísticas y personales con una gama sin precedentes de préstamos de colecciones de todo el mundo, incluyendo muchas obras en manos privadas. Destacan obras como Jeune fille devant un miroir (Niña ante un espejo), una pintura de autor que rara vez abandona el Museo de Arte Moderno, y el legendario Le rêve (El sueño), una virtuosa obra maestra que representa a la musa del artista en un ensueño extático, esta obra nunca antes se había exhibido en el Reino Unido.
1932 fue un tiempo de creación y reflexión. Tras 50 años, en colaboración con Christian Zervos, Picasso se embarcó en el primer volumen de lo que sigue siendo el catálogo más ambicioso de la obra de un artista, con más de 16,000 pinturas y dibujos. Mientras tanto, un grupo de marchantes de París venció a la competencia internacional llevando a cabo la primera retrospectiva de su trabajo, una exposición que presentó nuevas pinturas junto con obras anteriores en una variedad de estilos diferentes. Retratos realistas de Olga y Paulo revelaron los sentimientos de orgullo y ternura de Picasso por su familia, mientras que sus nuevas pinturas con carga sexual revelaron por primera vez la presencia de la mujer secreta en su vida.
Los viajes de Picasso entre sus casas en Boisgeloup y París capturan las contradicciones de su existencia en este momento crucial: una vida dividida entre el retiro rural y el bullicio urbano, esposa establecida y amante reciente, pintura y escultura, sensualidad y oscuridad.

El año terminó traumáticamente cuando Marie-Thérèse cayó gravemente enferma después de nadar en el río Marne, perdiendo la mayor parte de su icónico cabello rubio. En sus últimos trabajos de ese año, Picasso transformó su temática en escenas de rescate y violación, un dramático final de un año de amor, fama y tragedia que llevó a Picasso a la cima de sus poderes creativos.
"Picasso describió la pintura como "simplemente otra forma de llevar un diario ". Esta exposición lo invitará a acercarse al artista, a sus formas de pensar y trabajar, y a las tribulaciones de su vida personal en un momento crucial de su carrera. Al mostrar préstamos de obras estelares de colecciones públicas y privadas en el orden en que se crearon, esta exposición permitirá a una nueva generación descubrir la energía explosiva de Picasso, mientras sorprende a los que piensan que ya conocen al artista ". Achim Borchardt-Hume
Exposición comisariada por Achim Borchardt-Hume, Director de Exposiciones, Tate Modern y Nancy Ireson, Comisaria de Arte Internacional, con Juliette Rizzi y Laura Bruni, Comisarias Auxiliares. La exposición está organizada en colaboración con el Musée National-Picasso, París. (Tate press-release)

Tate Modern, the Eyal Ofer Galleries. Bankside. London SE1 9TG

http://www.tate.org.uk

Imagen: Pablo Picasso. Le Rêve (El sueño) 1932. Private collection© Succession Picasso/DACS 2017

 

MADRID. ISABEL MUNOZ. AGUA. GALERIA BLANCA BERLIN

16 febrero – 21 abril 2018

Las imágenes que forman parte de la exposición “Agua” han sido obtenidas por Isabel Muñoz en 2016 y 2017 bajo las aguas mediterráneas y en distintos mares del Japón. En sus propias palabras “Inicié este proyecto atraída por la belleza de los entornos marinos y como llamada de atención ante los peligros que amenazan su supervivencia.  El mar nos lo da todo sin pedirnos nada a cambio. Damos por sentado que su riqueza es inagotable, que puede con nuestros descuidos, nuestra falta de previsión, nuestros excesos. Pero las cosas no son así. ¿Qué vamos a dejar a nuestros hijos y nietos si no somos capaces de cuidar de sus tesoros, si seguimos echando al mar plásticos que son trampas mortales para las especies que lo habitan, si continuamos vertiendo residuos que pondrán fin a la biodiversidad marina si no reaccionamos a tiempo?”

Todas las obras expuestas en “Agua” son platinotipias. Aunque son difíciles de crear y su coste es alto, las impresiones en platino constituyen una de las expresiones más ilustres del arte fotográfico. Su belleza y permanencia hacen que la platinotipia sea una pequeña joya para los amantes de la fotografía y, cómo no, para coleccionistas e inversores. Estas copias se caracterizan por su amplia rendición de tonos, que parte del negro cálido y se expande en una amplia gama de matices grises, con una reproducción de luces especialmente sutil. Isabel Muñoz está considerada como una de las grandes expertas internacionales de la platinotipia. Tras más de una década de investigación, Isabel ha logrado incluir el color en este proceso, lo que constituye un punto de inflexión en la historia de la fotografía.

Durante más de cuarenta años, Isabel Muñoz ha recorrido el mundo con su cámara retratando los sentimientos del ser humano en su estado más puro, en su intimidad más recóndita. Desde la dignidad de las tribus primitivas hasta el desconsuelo de las cárceles; desde la sensualidad de la danza hasta la denuncia de la opresión; desde el éxtasis que supera el dolor lacerante hasta el dolor que ya no podrá ser superado. La autora catalana ha fotografiado casi todos los sentimientos y emociones que alberga la especie humana, incluso aquellos de nuestros ancestros, los primates, cuyos gestos forman parte de nuestros genes desde hace millones de años.

En 2016 fue reconocida con el Premio Nacional de Fotografía, habiendo obtenido anteriormente premios tan prestigiosos como el World Press Photo 1999 y 2004, el Bartolomé Ross, Unicef España, Medalla de oro al mérito de las Bellas Artes en 2009, Comunidad de Madrid, etc. Sus imágenes forman parte de las más importantes colecciones públicas y privadas de todo el mundo.(Blanca Berlín press-release)

Blanca Berlín Galería. C/ Limón, 28 – Plaza Guardias de Corps 28015 Madrid, España.

http://www.blancaberlingaleria.com

http://www.isabelmunoz.es

Imagen: Isabel Muñoz. S/T. Serie Bajo el agua, 2017

BUCAREST. Ignacio Uriarte. Borderline Relation. Eastwards Prospectus Gallery

25 enero - 24 marzo, 2018

La exposición ofrece la oportunidad de reflexionar sobre las relaciones entre las prácticas artísticas que surgen en diferentes contextos temporales, geopolíticos, sociales y económicos. Esto puede afectar la percepción del concepto de una obra de arte y, sobre todo, las condiciones de producción en que se crea. Esta es la razón por la cual la exposición reúne a artistas de diferentes generaciones, algunos de ellos ya son muy conocidos y tienen posiciones artísticas históricas, mientras que otros están surgiendo de las generaciones más jóvenes.         

Artistas: Marieta Chirulescu, Felipe Cohen, Svenja Deininger, Caroline Duchatelet, Vlatka Horvat, Željko Jerman, Ivan Moudov, Ulay, Ignacio Uriarte y Ruth Wolf-Rehfeldt.

Ignacio Uriarte (1972) nació y creció en Krefeld en Alemania. Estudió administración de empresas en Madrid y Mannheim, y trabajó para varias empresas en Alemania, España y México. Allí se graduó en artes audiovisuales del Centro de Artes Audiovisuales en Guadalajara, México. Dejó el mundo de la empresa hace diez años y se dedicó por completo al arte, llamando a su trabajo "arte de la oficina", en la actualidad vive en Berlín dese 2007. Uriarte se inspira en los pequeños momentos creativos dentro de las rutinas de oficina. El video de dos canales Blue Ribbon toma como punto de partida el más simple de todos los garabatos en la rutina de la oficina como: rellenar en papel cuadriculado, monumentalizar la función "en cascada" en Windows esparciendo hojas de papel sobre una pared, o dibujar formas con dos tonos diferentes de rotulador negro, Uriarte utiliza herramientas administrativas para restaurar la creatividad al oficinista.

Eastwards Prospectus Gallery. Strada Plantelor nr. 50, Sector 2, 023975, Bucureşti, România

 https://www.eastwardsprospectus.com

http://www.ignaciouriarte.com

Imagen: Ignacio Uriarte. Four Times, 2017. Pigmented ink on paper

MEXICO. Ruben Grilo. Draped Extension. Future Gallery

6 febrero – 7 abril, 2018

Future Gallery tiene el placer de anunciar la inauguración de un nuevo espacio en Ciudad de México ubicado en una casita tradicional en la azotea del histórico edificio Humboldt en el distrito Centro Histórico.
La exposición será una extensión de “Draped” que ha mostrado en el espacio de Berlín, presentando 
“Draped”, una exposición colectiva que presenta nuevas obras de Rubén Grilo, Spiros Hadjidjanos, Femke Herregraven y Nicolas Pelzer. “Draped”se refiere a la tela utilizada con fines decorativos. La tela en general se considera como hilos entrelazados en un todo utilizado a menudo para la ropa o para envolver algo. Los ejemplos en la exposición ofrecen diferentes líneas de lógica contraintuitivas con respecto a la utilidad a la tela. A través de los procesos digitales estos trabajos textiles se han manifestado como: hojas de denim con grabado láser que demuestran la inversión del desgaste provocado por el trabajo, un paño impreso en 3D con una fotografía, el geomapeo financiero infrarrojo satelital de un paisaje rico en recursos en el este de África, y una impresión acrílica generalmente utilizada como un anuncio publicitario, pero utilizada para demostrar cómo se vería una herramienta arcaica renderizada en 3D.

'Pattern Free: Ripped from Zara' es una serie continua de trabajos que Rubén Grilo inició en 2013. Grilo presentará obras de esta serie, donde reproduce el "look usado" de los jeans Zara. Al examinar la relación entre el cuerpo y el trabajo del artesano, diseña objetos industriales destinados al consumo y observa el campo de la producción artística desde la perspectiva industrial y viceversa. Revela los rastros de uso de jeans que pueden atribuirse al desgaste causado por el movimiento y la fricción, pero aquí están grabados con láser. Crea imágenes corporales grotescas como enormes huellas de manos. La observación de Grilo de un detalle de la prenda conduce a la historia del material que es al mismo tiempo una historia de relaciones corporales-laborales alteradas. Las marcas del trabajo físico se vuelven casi obsoletas en la era digital, signos artificiales de que el trabajo duro se vuelve cada vez más exótico. El uso que hace Grilo de la estandarización, la escala y la abstracción trata la historia de la industrialización y la producción moderna con una visión del cambio de paradigma digital cultural e Internet.

Ruben Grilo (Lugo 1981), vive y trabaja en Berlin. Entre sus exposiciones individuales se incluyen: ‘Solo’, Nogueras Blanchard, Madrid (2017); ‘Proof of Concept’, Union Pacific, London (2016); ‘Rubén Grilo’, Fundació Joan Miró – Espai13, Barcelona (2015); ‘Mit eigener Hand’, Kunstverein Hildesheim (2014); ‘Drawings of Alien Control’, V4ULT, Berlin (2013); ‘The Need for Speed’, CIRCA Projects, Newcastle upon Tyne (2013); ‘Bioscope’ Wilfried Lentz, Rotterdam (2012); ‘They’re Not All Funny, but They’re in a Row’ 1646 (La Haya) o ‘PowerPoint Karaoke’, MARCO, Vigo (2011). He has also participated in group shows at la Casa Encendida, Madrid (2017), el Künstlerhaus Halle für Künst & Medien, Graz (2015); Galerie Martin van Zomeren, Amsterdam (2013); Tatjana Pieters, Ghent (2012); CSS Bard, New York (2011); CGAC, Santiago de Compostela (2009), entre otras. Grilo ha sido artista en residencia en Rijksakademie van Beeldende Kunsten, Amsterdam (2011-2013) y Gasworks, London (2015), y ha recibido la beca Fundación Botín, el premio ARCO de la Comunidad de Madrid y el Generación 2017. (Future gallery press-release)

Future Gallery Casita. Edificio Humboldt. Calle del Artículo 123 116, #401. Colonia Centro, Juárez, 06000. Ciudad de México

http://futuregallery.org   http://www.rubengrilo.net

Imagen: Rubén Grilo

 

CHICAGO. Xavier Toubes. PushMoon4. Chicago Cultural Center

9 febrero – 13 abril, 2018

En PushMoon4 de Xavier Toubes, el hábil manejo del material y la técnica de esmaltado está creada con las palmas de las manos pero ejecutado en el fondo de la mente. Las obras mezclan la experiencia con las emociones, tocando lo real, consciente del momento histórico pero no consumido por él. Los objetos son fluidos, eléctricos, absurdos, teatrales y existenciales, con una belleza salvaje y solitaria.
El trabajo de Xavier Toubes se basa en la escultura de cerámica. Toubes nació en Coruña, España, pero ha estado trabajando en los Estados Unidos durante varios años. En 1989, se involucró en la creación del European Ceramics Work Centre en s-Hertogenbosch, Países Bajos, y fue su director artístico desde su apertura en 1991 hasta el otoño de 1999, cuando comenzó a enseñar en la School of the Art Institute. de Chicago. Ha expuesto con frecuencia tanto en los Estados Unidos como en Europa y también en Asia, y ha dictado conferencias en numerosas universidades y foros internacionales. (spainculture press-release)

Chicago Cultural Center, Michigan Avenue Galleries, South 78 E. Washington St., Chicago, IL 60602

http://www.xaviertoubes.com

https://www.cityofchicago.org

Imagen: Xavier Toubes

MADRID. Martin Chirino en su Finisterre. Galeria Marlborough

15 febrero – 28 marzo, 2018

En vísperas de cumplir 93 años, un fuerte impulso vital recorre la última obra de Martín Chirino. Vuelven las espirales de Chirino, fruto de su labor más reciente. El herrero ha apostado con todas las consecuencias por la escultura en su manifestación más plena y rotunda. La exposición que inaugura en su galería de cabecera, Galería Marlborough, puede entenderse como una exploración de un nuevo hacer directo y espontáneo en el que la obra es pensada al tiempo que se realiza, y que poco a poco va abriendo fisura y camino en los trabajos anteriores a modo de un continuum.  Durante esta etapa de madurez sigue trabajando con los sedimentos de toda una vida de experiencias. Son esculturas optimistas desde un viso que el propio artista define como “Finisterre”, y que son, por tanto, continuadoras de ese universo tan personal en el que prevalece la curva del Viento. La escultura de Chirino se abre con plena madurez a la mirada de una década después de su última exposición en esta misma galería, y el conjunto de su obra se revela como una serie de claves necesarias para el examen de nuestra época, tiempos que él considera convulsos y de difícil interpretación. Vuelven a aparecer sus Cabezas Crónicas del SigloXX, como siempre meditando y con mirada reflexiva.

La intensidad del proceso de realización, la celeridad de la ejecución y el manejo simultáneo de varias esculturas a la vez, provocan necesariamente una alta movilidad emotiva e icónica, una constante retroalimentación de los impulsos y de la memoria formal. Es la obra del herrero un resultado fecundo que se multiplica y se refleja en la de otros artistas de su época. Junto a Chillida y Oteiza, Chirino es el escultor más incisivo de su generación, como señala Calvo Serraller en el texto que acompaña el catálogo editado para la muestra. Asimismo, Su obra está dotada del vigor necesario para servir de materia de reflexión en los artistas más jóvenes.

Su devoción por la música se pone de manifiesto en esta muestra, con un bello homenaje (Guitarra. Sueño de la Música. Homenaje VII) a modo de fragmento, tan común en la mejor literatura, a la mejor poesía e incluso gran parte del mejor pensamiento de este siglo como una de las características más notables de este artista que los usa con inteligencia y recurre a ellos de una forma anacrónica, recuperándolos del pasado para incorporarlos a sus obras nuevas. Elogio del fragmento, uso cada vez más sutil de las consecuencias, Chirino esculpe sus enigmas como si estuviera mostrando un relato, imagen a imagen, forma a forma, y nos reclama una mirada integral, totalizadora, que, desde un punto de vista exterior, sea cómplice de ese tapiz aleatorio, que no nos quiere imponer sino como la cambiante llama del fuego que da vida a sus esculturas, quiere fascinarnos. ¡Y vaya que lo consigue! (fundacionmartinchirino press-release)

Galeria Marlborough. Orfila, 5. Madrid, 28010,
http://www.galeriamarlborough.com

http://www.fundacionmartinchirino.org

Imagen: Fundación Martín Chirino

STUTTGART. Aurora Valero. Space for Art. Institute of Space Systems (IRS)

25 enero  – 31 julio 2018

En esta exposición los espectadores que visitan el Institute of Space Systems experimentan el espacio y el arte, por así decirlo, en dos líneas paralelas que conducen al infinito. En su respectiva perspectiva específica del cosmos, buscan acceso a los misterios de la vida.

Esto es lo que dice Aurora Valero sobre la proximidad de la ciencia y el arte: "La ciencia y el arte intentan acercarse a la verdad. La ciencia hace esto de una manera lógica y concreta. El arte sigue el camino de la intuición para ver lo que de otro modo permanecería oculto: los sentimientos pero también los hallazgos. Cuando vi el universo con todas las tensiones, velocidades, constricciones y regeneraciones, experimenté lo que lo mueve todo, no solo en nuestro planeta sino en el universo: la increíble sensación de belleza que, casualmente, aparece está perfectamente estructurada."

Aurora Valero (1940, Alboraya, Valencia) El descubrimiento de las grandes obras de la Historia del Arte a los trece años, la impulsó a dedicarse a la creación artística para transcribir y dar forma de una manera especial  y consecuente  a  la vida misma.

La transformación que ello implica y el deseo de compartir ampliamente la experiencia, hizo que desde los veinte años, se dedicara también a la educación artística, es decir, a transmitir a las generaciones jóvenes, el conocimiento y las vivencias que desarrollan la sensibilidad y aumentan la capacidad de sentir, de construir y de pensar.

Estas dos actividades entrelazadas, han ocupado su tiempo y su vida. No obstante, para encauzarlas debidamente, también ha tenido que profundizar en la investigación, a fin de que sus objetivos tuvieran una justificación teórica. Por tanto, la creación artística, la formación de generaciones jóvenes, la investigación y su divulgación, han sido la aspiración  más importante de su quehacer humano.

 Universität Stuttgart, Institut für Raumfahrtsysteme, IRS. Öffentlichkeitsarbeit

https://www.uni-stuttgart.de

http://auroravalero.com

Imagen: Aurora Valero. Sueños del Alba III. 2017. 200X130cm

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