Get Adobe Flash player

Estadisticas

Visitas del artículo
4135878

Publicidad

FacebookLinkedInRSS Feed

 

Foto: B. Mora

DUBAI. Salvador Dalí “The Memories” International Financial Centre (DIFC)

11 febrero – 22 abril, 2018

Salvador Dalí. The Memories, es una exposición de litografías, fotografías y pinturas originales del artista surrealista español de colecciones privadas de todo el mundo.
Una de las obras estrella de la exposición será Shower of Jasmine (Lluvia de jazmines), una pintura, óleo sobre lienzo, que se presentó por primera vez al mundo en 1954 en la ciudad de Nueva York en Carstairs Gallery. La obra solo se ha podido contemplar en Río de Janeiro, Brasil, en el Museo Nacional de Bellas Artes. Desde entonces, la pintura se ha mantenido en una colección privada y en Dubai, será visible al público por tercera vez.
También se incluirán en la exposición fotografías de Dali tomadas por un amigo cercano y especialista en el maestro, Robert Descharnes. Las fotografías, que fueron seleccionadas por Nicolas Descharnes, el hijo de Robert, también un experto en la vida y obra de Dalí y comisario invitado de la exposición, muestran al artista trabajando íntimamente con sus herramientas en el proceso de hacer lo que ahora es parte del el arte más reconocido en el mundo. (DIFC press-release)

Dubai International Financial Centre (DIFC)Sheikh Zayed Rd - Dubai - United Arab Emirates

https://www.difc.ae

Imagen: Salvador Dalí “Lluvia de Jazmines” (DIFC)

BARCELONA. Ramón Surinyac “SENSES” Galería 3 Punts

7 febrero – 10 marzo, 2018

Ramón Surinyac utiliza la materia pictórica y el gesto para construir sus nuevas pinturas sobre tela. Organiza las formas mediante un trazado caligráfico, lento y fluido, que se expande por la superficie hasta proponer un juego visual al espectador, que lo conduce a descubrir, desde una figuración casi mimética, la abstracción más gestual.

Surinyac parte de imágenes reales, a menudo paisajes naturales, que analiza para obtener los elementos que le ayudarán a construir la pintura.

Cada una de sus pinturas se organiza a partir del diálogo entre la acumulación de pequeñas manchas cromáticas y el blanco de la superficie pictórica. Prevalece el espacio vacío, que facilita que el ojo interprete las formas como definidas y permite que el espectador complete la imagen.

Seducidos por la idea del paisaje, cuando nos acercamos a las pinturas de Surinyac, nos sorprende que la estructura de la superficie, la gestualidad caligráfica y la diversidad cromática nos desvelen su lenguaje pictórico.

Ramón Surinyac (Barcelona, 1974) Licenciado en Bellas Artes, especialidad de pintura, Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona (1998).
Erasmus en el Saint Martin College of Art and Design en Londres (1988). Cursos de Doctorado, Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona (2001). (3 Punts press-release)

3 PUNTS GALERIA. Enric Granados 21. 08007 Barcelona

http://3punts.com

http://www.ramonsurinyac.com

Imagen: Surinyac "WINTER" 2017. Óleo sobre tela

NUEVA YORK. Andrés Jaque y Miguel de Gúzman “Sex and the so-called City” Storefront for Art and Architecture

2 febrero – 3 abril, 2018

¿Cuáles son las consecuencias sociales, ambientales y políticas de nuestros estilos de vida urbanos?

 Este año, Sex and the City (Sexo en Nueva York), el manifiesto más influyente de la ciudad de Nueva York, cumple veinte años. La serie, una narración a menudo premonitoria de las tendencias culturales que se han desarrollado en las dos décadas desde su lanzamiento, sigue el brillo y el glamour de sus cuatro personajes principales a través de un tumultuoso período de transformación para nuestra querida ciudad: finales de los 90 y principios de la década de 2000

En Sex and the So-Called City, Andrés Jaque / Oficina de Innovación Política, en colaboración con Miguel de Guzmán / Imagen Subliminal, utiliza el estilo de vida forense para desvelar y presentar los temas subyacentes de Sex and the City en Nueva York.  Estas investigaciones colectivamente ofrecen una comprensión innovadora, a veces impactante, de los resultados y los impactos de la vida urbana contemporánea.

La exposición profundiza en temas como el desarrollo inmobiliario, la generación de energía, la reproducción, la hipercapitalización de la sociedad y, por supuesto, el sexo, abriendo conversaciones sobre la relación de estos temas con el diseño, la arquitectura y la producción de la ciudad. En un momento en que nuestras experiencias y nuestro entorno están muy bien diseñados, ¿qué nos ofrece la Ciudad de Nueva York? ¿Con cuántos grados de separación de prácticas éticas cuestionables nos sentimos cómodos? ¿De qué manera la imagen contemporánea de la ciudad ha creado nuevas formas de pensamiento y diseño?

 Este estudio forense de la cultura contemporánea de la ciudad se presenta con la forma de un estudio transmedia con videos de 360 ​​grados que capturan paisajes interiores y exteriores que albergan las narrativas y los temas que explora la serie. Junto a la sala de medios hay una instalación con objetos que comprenden la compleja red de materialidad que ocupa y anima nuestro contexto urbano. Un programa público con dos eventos principales utilizará el espacio y los elementos para escenificar y filmar cuatro nuevos episodios sobre temas particulares, capturando los objetos, cuerpos y acciones de nuestras experiencias vividas en la ciudad.

Storefront for Art and Architecture, 97 Kenmare St, New York, NY 10012

http://storefrontnews.org

http://andresjaque.net

Imagen: Andrés Jaque y Miguel de Gúzman “Sex and the so-called City. Office for Political Innovation

MANCHESTER. Guille Ibáñez “Tierra Santa” Instituto Cervantes

31 enero  – 3 abril, 2018

“Tierra Santa” es un proyecto documental sobre ritos de paso y culturales pero es también una mirada introspectiva sobre sus propias raíces y memoria. Una exploración del teatro de la religión y la forma en la que la gente y los pueblos construyen elaboradas mitologías alrededor de sus creenciasreunida en la exposición del reconocido fotógrafo español Guille Ibáñez. El evento innaugural, organizado junto a la red de fotógrafos de Reino Unido RedEye, contará con la presencia de Guille Ibáñez y de expertos de la Universidad Metropolitana de Mánchester, para ofrecer distintos puntos de vista en la materia el 31 de enero de 2018

Guille Ibáñez (Madrid 1977) reside en Manchester, UK. Operador de cámara y editor de profesión, la fotografía llega como una pasión tardía alrededor de 2013. Un proceso lento nacido en parte de la admiración por fotógrafos clásicos y contemporáneos como Alex Webb, Trent Parke o Todd Hido entre muchos otros.

Dos viajes por el Suroeste Asiático (Birmania más concretamente) con su mentor y amigo Maciej Dakowicz fueron el punto de partida de esta aventura que es la fotografía.

Fotografía entendida como un punto de partida o una herramienta de conexión con el mundo a nuestro alrededor. El trabajo de Guille tiene un marcado acento humanista con un interés especial en la cultura popular y la interacción entre las personas.

Instituto Cervantes (Mánchester) - 326-330 Deansgate, Campfield Avenue Arcade
M3 4FN Mánchester (REINO UNIDO)

http://manchester.cervantes.es

http://www.guilleibanez.com

Imagen: Guille Ibañez “Tierra Santa”

NUEVA YORK. Eloy Arribas “CAMA” Arts+Leisure

10 febrero – 11 marzo, 2018

La exposición presenta los nuevos collages sobre tela de Eloy Arribas que se basan en el poder alusivo del lenguaje y las formas.

Las últimas obras de Arribas presentan una red de asociaciones en un discurso de relaciones cambiantes, basado en un vibrante marco multimedia. Arribas abraza la espontaneidad y el dinamismo improvisado de la creación artística. Los campos del espacio negativo están marcados por formas abstractas y marcas aparentemente incidentales, estallidos de expresión sin restricciones que cargan el trabajo con una energía creciente. Sin temor por las pretensiones conceptuales y la influencia del mercado del arte contemporáneo, su obra existe como un diálogo puro entre el artista y el lienzo.

El lenguaje desempeña un papel central en su arte, y varios de los collages presentan palabras que, divorciadas de una estructura narrativa, adquieren un carácter icónico y sigiloso. Emparejados con garabatos, manchas y otros fragmentos de deshechos de estudio, los collages evocan una disyunción entre el texto y la imagen, una especie de non sequitur que refleja las posibilidades alusivas del lenguaje y sus restricciones, por ejemplo, la sensación de estar "en un pérdida de palabras "Como parábolas posmodernas de comunicación y falta de comunicación, las obras captan un modo de describir los estados ambiguos de la vida, una respuesta, en palabras del artista, a la falta de nomenclatura que tenemos para el mundo de sensaciones, temores y deseos .

Eloy Arribas nació en 1991 en Valladolid, España, y recibió su BFA de la Universidad de Salamanca en 2014. Ha tenido exposiciones individuales en la Galería Herrero de Tejada, Madrid; Galería Silves Arte Contemporáneo, Madrid; Galería de la fábrica Mojácar, Almería; y DA2 Salamanca. Ha recibido el Premio-Grant de la Fundación Corselas de la Universidad de Salamanca en 2016, y ha completado residencias en Atelierhaus Salzamt en Linz, Austria, así como en la Galería Javier Silva en Valladolid, España. (spainculture press-release)

Arts+Leisure, 1571 Lexington Ave, NY, NY 10029

http://www.artsandleisure.net

http://eloyarribas.com

Imagen: Eloy Arribas

CAMBRIDGE. MA. Antoni Muntadas “Before Projection: Video Sculpture 1974-1995 “MIT List Visual Arts Center

8 febrero – 15 abril, 2018

Antoni Muntadas es uno de los doce artistas internacionales cuyo trabajo se mostrará en una exploración escultórica basada en monitores.
Before Projection: Video Sculpture 1974-1995  resalta un momento histórico y una técnica en la historia del arte de los medios que a menudo se ha pasado por alto. La exposición explora las conexiones entre nuestro momento actual y el momento en que el videoarte se transformó dramáticamente con la entrada de la instalación de gran formato en el espacio de la galería. Esta exposición presenta una reevaluación de la escultura basada en monitores desde la década de 1970 y concentra obras que rara vez se han podido ver en los últimos veinte años. Comisaria: Henriette Huldisch, Directora de Exposiciones y Curador del MIT List Visual Arts Center.
Muntadas presenta Credits (video mono-canal, 1984) en Before Projection: Video Sculpture 1974-1995. El artista aísla los títulos de crédito de varias producciones de TV y cine de su contexto original, llamando la atención sobre cómo los productores se representan a través del lenguaje, sonido, imágenes, gráficos, formato y ritmo. En Créditos, Muntadas analiza el panorama de los medios y lo que él llama " "información invisible tras las producciones de medios masivos.
Artistas participantes: Antoni Muntadas, Dara Birnbaum, Ernst Caramelle, Takahiko Iimura, Shigeko Kubota, Mary Lucier, Tony Oursler, Nam June Paik, Friederike Pezold, Adrian Piper, Diana Thater y Maria Vedder

Considerado como unos de los pioneros del media art y del arte conceptual en España, Antoni Muntadas (Barcelona, 1942) lleva más de cuatro décadas realizando proyectos en los que plantea una reflexión crítica sobre cuestiones claves en la configuración de la experiencia contemporánea. Su objetivo es detectar y decodificar los mecanismos de control y poder a través de los cuales se construye la mirada hegemónica, explorando el papel decisivo que en este proceso juegan los medios de comunicación de masas. En sus obras, que tienen siempre una clara dimensión procesual y en las que a menudo se apela directamente a la participación de los espectadores, Muntadas recurre a múltiples soportes, lenguajes y estrategias discursivas, desde las intervenciones en el espacio público al vídeo y la fotografía, desde la edición de publicaciones impresas a la utilización de Internet y las nuevas herramientas digitales, desde las instalaciones multimedias a la puesta en marcha de proyectos de investigación multidisciplinares y colaborativos.

MIT List Visual Arts Center, 20 Ames Street, Building E15 Atrium level, Cambridge, MA 02139. USA

https://listart.mit.edu/exhibitions/projection-video-sculpture-1974-1995

Imagen: “Credits” Antoni Muntadas. Courtesy of Electronic Arts Intermix (EAI), New York (http://www.eai.org)

 

MADRID. “Cualladó esencial. Gabriel Cualladó, fotógrafo” Canal de Isabel II

17  febrero - 29 abril, 2018

La Sala Canal de Isabel II presenta esta exposición dedicada a Gabriel Cualladó, un homenaje a uno de los grandes maestros en blanco y negro de la fotografía española de la que muestra el trabajo de un autor claramente rupturista en el devenir del siglo XX.

La exposición, comisariada por Antonio Tabernero, confirma que la obra de Cualladó es una de la más singulares de la fotografía española, no solamente por su dimensión poética y por su extraordinaria libertad de expresión, sino también por la natural sencillez con la que abordó su personal interpretación del mundo.

Su época de mayor actividad fueron las décadas de los 50 a los 70, aunque su carrera continuó siendo fecunda hasta poco antes de su fallecimiento, como demuestra el proyecto fotográfico Puntos de vista para el Museo Nacional Thyssen – Bornemisza, configurando una trayectoria inclasificable. En ella plasmó una obra cargada de humanismo lírico, encontrando poesía incluso en lo más doméstico, recorriendo ciudades como Madrid o París, pero también entorno rurales del norte de España.

Gabriel Cualladó (Massanassa, Valencia, 1925 – Madrid, 2003) fue miembro de AFAL y cofundador del grupo La Palangana, antes de formar parte de la Escuela de Madrid. Fue premiado, entre otros reconocimientos, con el primero de los Premios Nacionales de Fotografía y con la Medalla de Oro del Círculo de Bellas Artes de Madrid. Su obra está presente en las colecciones y museos más relevantes del país, a pesar de ser uno de los grandes desconocidos de la fotografía para el gran público.

Sala de Exposiciones Canal de Isabel II. C/ Santa Engracia, 125. 28003 Madrid      

http://www.madrid.org

Imagen: Gabriel Cualladó - Sobrepiedra, Asturias, 1958

FORDE. Beatriz Alonso “La timidez de la copa de los árboles” Sogn og Fjordane Kunstmuseum

17 febrero  - 03 junio, 2018

Exposición colectiva que, tomando como punto de partida poético un fenómeno botánico, reúne prácticas artísticas que promueven o visibilizan nuevos escenarios posibles para vivir juntos en el mundo. Es el resultado del premio para Jóvenes Comisarios que organizan conjuntamente MARCO Vigo, FRAC Lorraine y SFKM Førde, en cuya 7ª edición fue seleccionado el proyecto de la comisaria Beatriz Alonso. AC/E apoya laparticipación de las artistas españolas invitadas a la muestra Beatriz Alonso, Lara Almarcegui, Marta Fernández Calvo, Dora García y Alex Reynolds.
Esta exposición colectiva que toma como punto de partida la timidez de la copa de los árboles, un fenómeno natural mediante el cual cada árbol define un límite en el crecimiento de su copa, facilitando una armonía en el dosel forestal que hace que las especies coexistan fuera de competencia. De entre las posibles respuestas alrededor de esta consciencia de los árboles sobre los límites de su crecimiento, una de ellas tiene que ver con su capacidad para el intercambio de señales químicas, lo que les provee de un sistema de comunicación entre ellos que deja pasar la luz pero bloquea el acceso a los elementos dañinos para la supervivencia del conjunto. La observación poética de este fenómeno, además de cuestionar algunas lecturas hegemónicas alrededor de la naturaleza, nos ofrece un diálogo con nuestra contemporaneidad y la urgencia de imaginar un sistema basado en las sinergias y no en la supervivencia del más fuerte.
Desde el potencial de esta metáfora, esta exposición reúne prácticas artísticas que fomentan o visibilizan nuevos escenarios para vivir juntos en el mundo y aprender los unos de los otros desde la alteridad y la diferencia. Se pretende así revisar desde el arte el concepto de comunidad, contribuyendo a un entendimiento más amplio de lo común sin dejar de lado el conflicto, la inestabilidad o la utopía. Para ello, se propone una aproximación a la naturaleza más flexible y distorsionada, poniendo en valor metodologías de investigación y aprendizaje más intuitivas y poéticas. (AC/E press-release)

Sogn og Fjordane Kunstmuseum, Storehagen 1, 6800 FØRDE. Noruega

SFKM, Sogn og Fjordane Kunstmuseum

Imagen:  La timidez de la copa de los árboles” Sogn og Fjordane Kunstmuseum

MULHOUSE. Teresa Lanceta y Esther Ferrer “La Criatura Viviente” La Kunsthalle

15 febrero – 29 abril 2018

Esta exposición colectiva tiene como objetivo explorar las conexiones entre el arte, la educación y la vida cotidiana a través de la práctica artística. Quiere ser un recorrido a través de un entorno donde los procesos de investigación y producción, junto con diferentes enfoques para la comprensión de la pedagogía y la transmisión del conocimiento, se convierten en sujetos y herramientas de la producción artística contemporánea.
La Criatura viviente toma su título del primer capítulo del libro de John Dewey “Arte como experiencia” publicado en 1934. Un libro que, a pesar de que en su momento, fue recibido con diferentes entusiasmos, el tiempo y un enfoque renovado en su lectura lo han colocado en un lugar central dentro de las contribuciones teóricas a la educación artística y la conexión de la práctica artística con la vida diaria.
Para Dewey la autonomía de la experiencia artística se basa en la función social del arte, promoviendo un tipo de práctica que incrementa nuestra capacidad de acción y entendimiento de la agencia de las relaciones que establecemos con las condiciones de producción. La teoría de Dewey podría ser vista como un intento de trasladar la atención de la manifestación física de los procesos artísticos en el “objeto expresivo”, al proceso completo, un proceso cuyo elemento fundamental no es la “obra de arte” material sino el desarrollo de una “experiencia”.
Esta forma de entender la experiencia ha tenido mucha influencia en artistas como Allan Kaprow que llevaron las ideas de Dewey al contexto experimental de la interacción social y psicológica, donde los resultados son menos predecibles. De este modo, la formas naturales y sociales de experiencia dadas alimentan el marco intelectual, lingüístico, material, temporal habitual, performativo, ético, moral y estético en el que se produce el conocimiento. Esta idea de la producción de conocimiento conecta con uno de los últimos artículos publicados por Maria Puig de la Bellacasa en el que afirma que la producción de conocimiento, que de manera libre asimilaríamos a la práctica artística, es una producción situada y por lo tanto no puede ser entendida sin la multitud de relaciones que la hacen posible.
La exposición incluye proyectos que exploran las conexiones entre arte, educación y el cotidiano a través de la práctica artística; pudiendo ser proyectos de investigación, procesos de producción o diferentes formas de entender la pedagogía y la transmisión de conocimiento y cómo el potencial colectivo y performativo de estos se convierte muchas veces en herramienta y sujeto de la producción artística contemporánea. Partiendo de este marco recoge proyectos que se centran en la conexión entre educación y práctica artística, la artesanía como un modo de relacionarse con el mundo, el cuerpo como sujeto de transmisión pero también, la relevancia de lo urbano y los procesos naturales que nos rodea como punto de partida para la producción artística como herramienta para generar un mejor entendimiento de la manera en la que vivimos.

“La Criatura Viviente” en una propuesta de Soledad Gutiérrez (1976 Torrelavega, España) es comisaria e investigadora independiente.
Trabajó hasta 2014 como comisaria en el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA). Anteriormente, dirigió, en Londres, el programa de exposiciones de Hauser & Wirth Gallery y Whitechapel Art Gallery.
De 2014 a 2017, colaboró como curadora en Manufactories Of Caring Space-Time, un proyecto europeo de la Fundación Tàpies en Barcelona; el Museum voor Schone Kunsten (MSK) en Gante (Bélgica) y el FRAC Lorraine, especializado en las potencialidades de las prácticas colectivas e intangibles del arte contemporáneo. Soledad Gutierrez también ha publicado en varias revistas y catálogos. La exposición cuenta con el apoyo de Acción Cultural Española, AC / E.
Artistas participantes: Anna Craycroft (USA), Esther Ferrer (ESP), Adelita Husni-Bey (IT), Allan Kaprow (USA), Teresa Lanceta (ESP), Nicolas Malevé (BE), Aimée Zito Lema (NL) (La Kunsthalle press-release)

La Kunsthalle. 6, rue de la Fonderie, 68093 Mulhouse. France

http://kunsthallemulhouse.com            

http://www.teresalanceta.com

http://estherferrer.fr

Imagen: Franjas III 2017. cosidos sobre tela pintada - 250 x 150 cm

BARCELONA. José María Sicilia “Phasma” Galería Joan Prats

09 febrero – 23 marzo, 2018

José María Sicilia (Madrid 1954) fue uno de los representantes más significativos de la pintura española de los años ochenta y se identificó con la joven generación de artistas que, a principios de esa década, retomaba la práctica de la pintura desde una perspectiva `matérica´.

A partir de 1985, Sicilia inicia una nueva serie de trabajos sobre el tema de las flores, por la cual es especialmente conocido en España. Este nuevo desarrollo temático le llevará a profundizar en una investigación centrada en el análisis de la forma, la construcción del espacio y la estructura de la luz.

 En la pintura abstracta que el artista ha desarrollado en los últimos años, la utilización de la cera adquiere un papel protagonista por sus posibilidades de diálogo con la luz y la creación de espacios en la superficie pictórica. (Joan Prats press-release)

Galeria Joan Prats. Carrer Balmes, 54. 08007 – Barcelona, Spain

http://www.galeriajoanprats.com

Imagen: José María Sicilia. La locura del ver, 2016-17

Subcategorías