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Foto: B. Mora

SOMERSET. Fernando García-Dory “"La tierra en la que vivimos - La tierra que dejamos atrás” Hauser & Wirth

20 enero – 7 mayo, 2018

Hauser & Wirth Somerset se complace en presentar "La tierra en la que vivimos - La tierra que dejamos atrás" (The Land We Live In - The Land We Left Behind), comisariada por Adam Sutherland. Esta ambiciosa muestra de investigación explora la naturaleza contradictoria de la relación de la sociedad con el medio rural. La presentación presenta a más de 50 artistas y creativos internacionales, así como obras en préstamo, de artistas desde el siglo XVI hasta la actualidad, incluidos Paul McCarthy, Beatrix Potter, Carsten Höller, Laure Prouvost, William Holman Hunt, Samuel Palmer y Frank Lloyd. Wright, Marcus Coates, Fernando García-Dory, Mark Dion, Roni Horn, Aaron Angell y Mark Wallinger.

Con protagonistas que van desde los anacoretas del siglo 10 hasta los ruralistas urbanos del siglo XXI, "La tierra en la que vivimos - La tierra que dejamos atrás" cuenta la evolución de la conexión de la humanidad con la tierra, nuestra percepción y confianza en ella. Los espectadores tendrán la oportunidad de involucrarse con los temas de la exposición a través de una serie de proyectos participativos de artistas y presentaciones prácticas, como acuaponía, fermentación, ordeño de cabra o fabricación de queso.

El título de la exposición se refiere a un brindis utilizado por los inmigrantes en los siglos XVIII y XIX, que celebraba la tierra en la que habían llegado, seguido de una réplica que conmemoraba su país de origen, un lugar que para muchos encarnaba el anhelo romántico. Las obras seleccionadas sugieren lo rural como un laboratorio para el desarrollo de ideas, en particular la noción de una utopía rural, explorando a los inmigrantes religiosos, los escapados industriales, las metáforas de la huida de Egipto y el regreso al Edén, que están incrustados en el inconsciente colectivo de la humanidad. La exposición explora estos temas tangibles de la fricción territorial, la procreación, la muerte y nuestro instinto de base primigenia, en el contexto de una encarnación arcaica y más esquiva de lo rural.

Al llegar a Hauser & Wirth, los espectadores de Somerset pueden encontrar cabras pastando en la granja; el artista Fernando García-Dory y Hayatsu Architects han creado un pabellón de madera, una obra funcional, para que las cabras puedan escalar y socializar.

El trabajo de Fernando García-Dory (Madrid 1978) se relaciona específicamente con la relación entre cultura y naturaleza en la actualidad, se manifiesta en contextos múltiples, desde el paisaje y el campo, hasta los deseos y expectativas relacionados con la identidad, de la crisis (global) a la utopía y el potencial para el cambio social. Estudió Bellas Artes y Sociología Rural, y ahora prepara su doctorado en Agroecología. Interesado en la complejidad armónica de las formas y procesos biológicos, su trabajo aborda las conexiones y la cooperación, desde los microorganismos a los sistemas sociales, y desde los lenguajes artísticos tradicionales como el dibujo a proyectos agroecológicos colaborativos, acciones y cooperaciones.

Hauser & Wirth Somerset. Durslade Farm, Dropping Lane, Bruton, Somerset BA10 0NL. U.K

https://www.hauserwirth.com

http://fernandogarciadory.info

Imagen: “The Land We Live In – The Land We Left Behind” Hauser & Wirth

 

COLONIA. Matías Krahn “Rubedo” Galería 100 Kubik

26 enero -13 marzo, 2018

Matías Krahn utiliza el pasado y el presente de la pintura de manera consciente, como partes de un todo que no puede llegar a completarse nunca y en el que lo caótico da paso al orden y el orden al caos. Sus obras son una danza entre lo orgánico y lo artificial, lo simbólico y lo formal, un viaje al origen de los deseos, al útero de los sueños, donde el pintor a través de sus personales formas y la riqueza de su color nos transporta a un mundo complejo y vitalista, irracional y anhelado.

Con “RUBEDO”, Matías Krahn nos presenta la última serie de su viaje alquímico hacia la propia autognosis como artista, la cual une y combina las precedentes. Después de “Nigredo” y “Albedo” el lenguaje pictórico auténtico tanto como la signatura estilística de Krahn obtienen por repetido aún más estabilidad harmónica: aspectos como el uso de un rico y puro colorido y la materialidad poética de la superficie siguen teniendo prioridad. Esperamos que este resultado ingenioso de un querer entender el mundo les sorprenda muy gratamente y les encante tanto como a nosotros! (100 Kubik press-release)

GALERIE 100 KUBIK. Raum für spanische kunst. Mohren Str. 21. 50670 Köln

http://matiaskrahn.net

http://100kubik.de

Imagen: S/T. Matías Krahn

SAN FRANCISCO. Walter Martin y Paloma Muñoz “Through That Which Is Seen” The Palo Alto Art Center

20 enero – 8 abril  2018

La exposición destaca el uso de dioramas en el arte contemporáneo, con obras de Walter Martin y Paloma Muñoz, entre otros artistas.
Se puede decir mucho sobre por qué persiste la práctica de crear mundos en miniatura y, en particular, por qué tantos artistas contemporáneos consideran que esta forma de arte es una herramienta útil de expresión. Los dioramas pueden convertir incluso los temas más mundanos en algo especial; fomentan una mirada extendida; son un medio de escape de lo cotidiano y una ventana hacia el mundo de los sueños; mezclan la fantasía y la realidad de forma tan fluida que somos transportados mágicamente a otra dimensión.
Cada uno de los artistas en esta exposición cuenta una historia a través de esculturas, fotografías, pinturas o videos. Algunas de estas historias, como las de Walter Martin y Paloma Muñoz, están llenas de alienación y humor negro, y algunas cristalizan una sensación de aprensión o un apocalipsis venidero. Otras son comentarios sociales cuidadosamente elaborados, ya sea sobre eventos actuales o sobre la controvertida historia del diorama mismo. Muchos son pura ensoñación. Todos ellos reflejan la cuidada producción y el mundo de sueños interno de sus creadores.
Durante siglos, los artistas han tratado de adaptar la escala de la realidad a límites más pequeños: lienzos enmarcados, estatuas cinceladas, retratos en marfil ... Walter Martin y Paloma Muñoz se han subido a su propio nicho. Conocidos en colaboración como Martin & Muñoz, crean escenas en miniatura tridimensionales con grandes dosis de terror y humor negro y los colocan dentro de globos de nieve.
Artistas participantes: Matthew Albanese, Gregory Euclide, Abigail Goldman, Ju Lim, Walter Martin y Paloma Muñoz, Didier Massard, Michael McMillen, y Gerber, David Opdyke, Curtis Talwst Santiago, Joshua Smith, Wendy Red Star, Charles Young

The Palo Alto Art Center. 1313 Newell Rd, Palo Alto, CA 94303

https://www.martin-munoz.net

https://www.cityofpaloalto.org

Imagen: Walter Martin y Paloma Muñoz

MULHOUSE. Cristina de Middel “Muchísmo” La Filature, Scène nationale

11 enero – 9 marzo 2018

Crítica de arte, comisaria, descubridora incansable y prolífica autora, Christian Caujolle presenta una exposición individual de la artista española Cristina de Middel, explorando su trabajo fotográfico y editorial.
Cristina de Middel (Alicante, 1975), uno de las fotógrafas más originales y prolíficas del mundo, continúa frenéticamente trabajando en muchos proyectos desde el enorme éxito que alcanzó su serie en 2012, Los Afronautas.

Ex reportera gráfica ha desarrollado durante varios años una búsqueda personal, en un enfoque más conceptual, abandonando poco a poco la prensa para introducirse de lleno en el mundo del arte. En 2017, es nominada por la agencia Magnum Photos y recibe el Premio Nacional de Fotografía del Ministerio de Cultura español. Para su proyecto Muchísmo, creado en Madrid en junio de 2017, Cristina de Middel elige volver a visitar la totalidad de su obra y colgarla tal como la guarda en su estudio, es decir, sin orden aparente y en un acumulación colosal. La exposición presenta cerca de 400 imágenes realizadas en Zambia, Brasil, Lagos, India, Níger ... y se presenta por primera vez en Francia en el festival Vagamondes. (La filature press-release)

La Filature, Scène nationale - 20 allée Nathan Katz – Mulhouse. Francia

www.lademiddel.com

http://www.lafilature.org

Imagen: Cristina de Middel

MONZA.Bernardi Roig “Blow Up” Invernadero de la Villa Reale

21 diciembre 2017 – 23 marzo 2018

Para poder desarrollarse en el parque de Villa Reale en Monza, el proyecto Blow-Up de Bernardi Roig ha requerido  la instalación de cinco estatuas de aluminio blanco de tamaño natural que se enfrentan y dialogan constantemente con el espacio natural del paisaje. Las esculturas, escondidas entre la vegetación y los arbustos del parque, obligan a los espectadores a buscar la revelación de la imagen oculta. Es una muestra de esculturas que, aunque son pesadas y voluminosas, parecen no estar presentes.  Bernardi Roig intenta empujar a los espectadores más allá de su propia vista. Todo su trabajo siempre se ha basado en la estrecha relación y tensión con el recuerdo de las imágenes, siempre utilizando la luz como metáfora de la memoria misma. Esta es la trama de la historia que nos permite una vez más tratar con nuestra herencia visual y ponernos en primera línea de nuestras emociones.

A través de su obra escultórica, principalmente sus esculturas blancas creadas a partir de moldes de personas vivas, que son una reflexión post-mitológica sobre el significado de la figura humana como una presencia final y solitaria, Bernardi Roig propone un itinerario basado en ideas fuertes sobre lo heroico del acto de mirar. Al usar la luz, no para iluminar, sino todo lo contrario, para cegarnos, nos obliga a explorar una imagen encarcelada en nuestra memoria.

Bernardí Roig (Palma de Mallorca, 1965) es uno de los artistas españoles más destacados de la actualidad y lleva a cabo un trabajo multidisciplinar, que abarca diferentes áreas como la escultura, el vídeo, el dibujo y la pintura y la creación de textos. La itinerancia de su muestra ‘The Light-Exercises Series’ le llevó en 2006 y 2007 a prestigiosas instituciones europeas como Da2 de Salamanca, Kunstmuseum de Bonn, Kampa Museum de Praga, PMMK (Musee d’art Moderne de Oostende) y Museo Carlo Bilotti de Villa Borghese en Roma. Después de la exposición ‘Shadows Must Dance’, en 2009, presentada en el Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) y en el museo Ca’Pesaro Galleria Internazionale d’Arte Moderna de Venecia, coincidiendo con la 53ª Bienal, vuelve con las exposiciones ‘Glasstress’ en el Palazzo Franchetti y ‘TRA’ en el Palazzo Fortuny, ambas incluidas en el programa de la 54ª Bienal de Venecia.

Blow Up, exposición organizada por M-AR.CO Monza Arte Contemporanea

Villa Reali, Viale Brianza 1, Monza (MB) Italia

http://www.monzaartecontemporanea.com

Imagen: Bernardi Roig

GUANGZHOU.Carlos Irijalba / Jon Cazenave “Simultaneous Eidos” Guangzhou Image Triennial 2017

15 diciembre  2017- 8 marzo 2018

Con anterioridad a Simultaneous Eidos - Guangzhou Image Triennial  la exposición internacional de la Bienal de Fotografía de Guangzhou, organizada por el Museo de Arte de Guangdong, fue una de las principales bienales de fotografía internacional en China. Su objetivo básico es mantener el punto de vista humanista con el horizonte internacional y la sociología de las imágenes y participar y promover el desarrollo de la fotografía y la cultura contemporánea en China. Al revisar las últimas tres bienales de fotografía (en 2005, 2007 y 2009), cada exposición ha establecido un tema y una orientación académica centrada en la historia de la fotografía para mostrar las prácticas fotográficas contemporáneas. Al mismo tiempo que promueve la pasión de los museos de arte nacionales para la investigación y colección de fotografías.

Director Museo de Arte de Guangdong: Wang Shaoqiang.  Comisarios: Alejandro Castellote, Bao Dong, Zeng Han

La exposición presenta la obra de 16 artistas visuales internacionales cuyos trabajos establecen diferentes diálogos entre ellos: Daisuke Yokota, Kensuke Koike y Go Itami (Japan); Carlos Irijalba y Jon Cazenave (Spain); Caio Reisewitz y Gisella Motta&Leandro Lima (Brazil); Marcela Magno (Argentina); Giancarlo Shibayama, Felipe Esparza y Pepe Atocha (Peru); Thomas Sauvin, Noémie Goudal y Antoine D’Agata (France), y Penelope Umbrico (USA).

Carlos Irijalba nació en Pamplona, ​​España en 1979 y se graduó en 2002 en la Universidad de Bellas Artes de Euskadi y estudió en la UDK de Berlín. Actualmente vive y trabaja entre Ámsterdam, Holanda y Nueva York, EE. UU.

Su obra Inercia trata de la construcción de la realidad. La pieza surgió de algunas escenas, no incluidas en el video de su proyecto anterior, que se refieren al tránsito de la luz de un lugar a otro. En ambos proyectos, el dispositivo de iluminación se relaciona directamente con lo real. En Inercia, la ruta es un lugar y el vector se impone sobre el objeto. Entonces, el presente tiende a desaparecer en un movimiento continuo y lo que sucede es de hecho su falta de presencia.

 A lo largo de sus cuatro minutos de duración, Inertia responde a las convenciones del ritmo, los ejes visuales y otras normas narrativas con las reglas que utilizamos para asimilar todo el espectro audiovisual. Se produce un accidente específico entre las frágiles reglas de la narración y la sofisticación de lo que se escenifica, confrontado con las connotaciones físicas ineludibles de la gravedad, el peso o el volumen de los elementos en su servicio


Jon Cazenave nació en el País Vasco, España, en 1978 se graduó de la Universidad de Deusto en 2001. El trabajo de Cazenave ha sido exhibido en instituciones internacionales de arte como la Fundación Canal de Isabel II (España), el CCCB (España), el Museo Belvédère (Países Bajos). ), Foto Museum Antwerp (Bélgica) o CaixaForum (España). También ha participado en varios festivales internacionales de fotografía como Les Rencontres de la Photographie d'Arles (Francia), Noorderlicht (Países Bajos), Photoespaña (España) o Tokyo International. Festival de Fotografía (Japón). En 2016 fue seleccionado para participar en la 18ª edición del programa "European Eyes on Japan" como representante de la Capital Europea de la Cultura de San Sebastián 2016. . (Guangzhou Image Triennial press-release)

Imagen:”Carlos Irijalba.  Inertia 3 , photography ( C-print ), 127cm×190cm, 2012.

http://www.guangzhouimagetriennial.org/en

http://www.carlosirijalba.com

http://joncazenave.com

GUANGZHOU Image Triennial 2017 Guangdong Museum of Art , Er-sha Lsland ,Guangzhou , China. 

FRIBURGO. Pilar Millán “In good times and in bad. How to operate” Museum für Neue Kunst

hasta el 8 de abril 2018

Esta propuesta trata de sacar a la luz cinco piezas de la colección del museo de cinco artistas diferentes: Monika Baer, Katharina Grosse, Svenja Kreh, Chiharu Shiota y Georg Winter. Luego cada uno ha invitado a otros cinco artistas de todo el mundo para compartir una sala del museo y provocar así diálogo, controversia, que se muevan las ideas...

Este formato experimental permite al museo reflexionar sobre su colección y reajustar los paradigmas y las perspectivas que la acompañan. Al mismo tiempo, representa una oportunidad para un nuevo enfoque de los deberes del museo: coleccionar, conservar, investigar, exhibir y educar.

Cómo se produce el arte. Quién hace arte. Cómo perdura el arte: estos tres aspectos se examinan durante la exhibición. Este enfoque inusual desvela hechos interesantes y esclarecedores y circunstancias ocultas en las obras de arte expuestas.

 La artista española invitada, Pilar Millán, describe así su participación: "Ese concepto lo encontré en la propia propuesta curatorial: sacar de nuevo a la luz las obras de la colección o renacer de las cenizas como el ave mítico. La ceniza de las sillas quemadas por Shiota. Durante el proyecto Textum (2010-2015) grabé imágenes y voces de tejedoras de distintas culturas y lenguas: el telar como símbolo de la comunicación. Entre los materiales filmados y que se utilizan en la tejeduría, la ceniza está siempre presente para blanquear el hilo. Sacar a la luz, a-lumbrar, aclarar. Del hilo negro que envuelve las sillas quemadas al hilo blanco que filmé en una aldea del sur de Mali. Sacar y también salir a la luz. Está en la noción de Die Lichtung (el claro, el lugar despejado del bosque) como el lugar o estado de abertura donde es posible el ser dado a ver. Aunque por mis piezas seleccionadas por la comisaria es fácil comprobar que prefiero la idea zambraniana de claro como lugar de la escucha más que para la visión. O quizás: el espacio perfecto para la entrega del diálogo."

Pilar Millán es artista visual y reside en Berlín. Sus proyectos multidisciplinares se dirigen hacia las fronteras culturales, sociales o políticas, y sus consecuencias en nuestra sociedad actual. En la mayoría de sus proyectos dirige sus investigaciones a partir de mitos, como una arqueología de ideas trascendentales inherentes al ser humano y sus manifestaciones contemporáneas. Como artista europea, intenta reflejarlo sobre posiciones canonizadas occidentales desde una perspectiva transcultural. La obra de Pilar Millán se materializa en proyectos, la mayoría de ellos con base participativa. Se presentan generalmente como instalaciones que pueden combinar fotografía, vídeo, dibujo y pintura, objetos y audios. Con estas instalaciones crea espacios que profundizan con un lenguaje contemporáneo en capas de distintas narrativas.

Artistas: Monika Baer | Cynthia Cruz | Liza Dieckwisch | Frédéric Ehlers | Katharina Grosse | Svenja Kreh | Pilar Millán | Lila Rose | Chiharu Shiota | schwarabia import-export | Martina Wegener | Georg Winter | Amelie von Wulffen.

Museum für Neue Kunst. Marienstraße 10ª. 79098 Freiburg im Breisgau

http://www.freiburg.de/pb/,Len

http://www.pilarmillan.com

Imagen: Pilar Millán “Su peso en oro”, 2015, balanza para pesar hilos de 1837 de la antigua aduana barcelonesa en bronce, hilo de melhfa saharaui

 

NUEVA YORK. Santiago Ramón y Cajal “The Beautiful Brain” Gray Art Gallery

9 enero – 31 marzo 2018

Santiago Ramón y Cajal, considerado el padre de la neurociencia moderna, también fue un artista excepcional. Dibujó el cerebro de una manera que proporcionó una claridad superior a la alcanzada por las fotografías. Combinando las habilidades científicas y artísticas para producir dibujos con extraordinarias cualidades científicas y estéticas, su teoría de que el cerebro está compuesto de células individuales en lugar de una sola red es la base de la neurociencia actual. Esta exposición itinerante de los dibujos originales de Cajal está organizada por el Weisman Art Museum en colaboración con los Doctores: Eric Newman, Alfonso Araque y Janet Dubinsky, neurocientíficos de la Universidad de Minnesota y líderes en el campo de la neurociencia. El Dr. Araque estuvo anteriormente en el Instituto Cajal de Madrid, donde trabajó Cajal y donde se guardan sus dibujos.
La exposición está organizada en colaboración con Ricardo Martínez Murillo, neurocientífico y comisario del legado Cajal en el Instituto Cajal (CSIC) en España. Ochenta de los dibujos de Cajal, muchos de los cuales se muestran por primera vez en Estados Unidos, van acompañados de una selección de visualizaciones contemporáneas del cerebro, fotografías, libros históricos y herramientas científicas. Después de su presentación en el Weisman Art Museum, la exposición está itinerando por diversas galerías universitarias y museos de los Estados Unidos y Canadá. (WAM press-release)

Grey Art Gallery. 100 Washington Square E, New York, NY 10003

https://greyartgallery.nyu.edu

Imagen: Santiago Ramón y Cajal “The Beautiful Brain”

NORTHAMPTON.Silvia Lerín “Open Exhibition” NN Contemporary Art

13 enero – 17 marzo 2018

Cada dos años, NN Contemporary Art presenta su “Open Exhibition”de artistas de todo el mundo en una amplia gama de medios. Este año la exposición está comisariada por Kaavous Clayton y Jules Devonshire y el artista y Goldsmiths Senior que han seleccionado a 73 artistas para participar en la exhibición.
A partir del 13 de enero os espectadores podrán ver una amplia gama de obras: desde un video sobre babosas hasta filosofía utópica, desde piezas de lavadora y lana hasta fotografías de palomas y mucho más de todo el mundo incluyendo Ucrania, Irán, Lituania, España y el Reino Unido.

Kaavous Clayton, Jules Devonshire y Roxy Walsh han seleccionado dos obras de Silvia Lerín  para “Open Exhibition”: 'Mi propia electricidad I and II' (del proyecto 'Ingeniería')

Silvia Lerín (Valencia, 1975). Licenciada en Bellas Artes por la Facultad de Bellas Artes de San Carlos.Valencia. Vive y trabaja en Londres, Reino Unido. Lerin ha expuesto ampliamente en el Reino Unido y Europa. En 2014, ganó el Pollock-Krasner Fundación Grant, Nueva York. Su obra de arte se puede encontrar en los museos y fundaciones a través de España, Reino Unido y Alemania.

Artists: Jonathan Alibone, Zahra Amirkamali, Emily Arnold, Tristram Aver, Catherine Baker, Sharon Baker, Sophie Bament, Emma Barford, Ben Bird, Giulia Cacciuttolo, Lorsen Camps, Tadao Cern, Anya Charikov-Mickleburgh, George Chinnery, Fran Copeman, Benjamin Duax, Daniel Earey, Robert Fitzmaurice, Louise Freeman, James Fuller, Alison Goodyear, Anna Gonzalez, John Griff, Colette Griffin, Keren Goresh-Freedman, Luke Harby, Jade Hanley, Matt James Healy, Charlie Hurcombe, Sarah Jenkins, Sarah Louise Keber, Jonathan Kelham, Kyle Kirkpatrick, Marine Lefebvre, Silvia Lerin, Maria Lewis, William Lindley, Eugene Macki, Zara Makhdoom, Tahira Mandarino, Ryoko Minamitani, Alvin Ong, Sylvia Owens, Alistair Payne, Karen Piddington, Maksim Podorozkin, Duncan Poulton, Richard Powell, Lisa Price, Srecko Radivojcevic, Alison Ranson, Attia Rashid, Chernaya Rechka, Scott Robertson, Luís Filipe Salgado Pereira Rodrigues, Marjan Samie, Cassander Edftinck Schattenkerk, Veronica Slater, Emily Sparkes, Stephanie Spindler, Alcaeus Spyrou, Natalka Liber Stephenson, Pamina Stewart, James Tebbutt, Clare Thatcher, David Theobald, Ross Tomkins, Mererid Velios, Satu Viljanen, Jane Walker, Mark Wilsher, Claire Yspol, Jasmin Yusuf. (NN press-release)

NN Contemporary Art Number. Nine. Guildhall Road. Northampton. NN1 1DP, UK

http://www.nncontemporaryart.org

http://www.silvialerin.com

Imagen: My own electricity I and II, 2017 © Silvia Lerin

BRISBANE. Picasso “La Suite Vollard” Queensland Art Gallery

2 diciembre 2017 – 15 abril 2018

La serie toma su nombre, precisamente, de Ambroise Vollard, marchante y amigo personal de Picasso. La relación entre ellos, si bien nunca fue demasiado continua, se inició muy pronto, en 1901, cuando Picasso expuso por primera vez en París, junto con Francisco Iturrino, en la Galerie Vollard. Desde entonces, el galerista francés mostró un interés constante por el pintor español y comenzó a editar su obra gráfica. La colaboración entre Vollard y Picasso llega a su punto álgido con la Suite Vollard que, sin embargo, no fue un encargo del marchante al artista sino, más bien, fruto de un intercambio amistoso y comercial.

La Suite Vollard es fruto de momentos intensamente creativos en los que Picasso, a modo de diario íntimo, fue desarrollando sus obsesiones personales. Éstas se pueden ordenar en torno a seis bloques temáticos que, en esta ocasión, sirvieron de gión a la muestra en el Museo ICO.

La edición definitiva de la serie comenzó a estamparse en 1939, antes de la muerte de Vollard en julio de ese mismo año. Una vez concluida la tirada, las estampas pasaron, junto a otras series inéditas, a los almacenes del marchante francés. Los cobres de la Suite Vollard fueron mostrados por primera vez en 1979 en la exposición que tuvo lugar en el Museo de Arte Moderno de la Villa de París, de donde pasaron a formar parte de los fondos del Museo Picasso de París.

Queensland Art Gallery . Stanley Place, South Bank, Brisbane

The Vollard Suite

https://www.qagoma.qld.gov.au/whats-on/exhibitions/picasso-the-vollard-suite

Imagen: Pablo Picasso. Suite Vollard. Galería Nacional de Australia. © Sucesión Picasso. Con licencia de Viscopy, 2017.

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