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Foto: B. Mora

AMSTERDAM. Lara Almarcegui “Terrestrial Records” Manifesta Foundation

24 noviembre 2017 – 25 mayo 2018

Comisariada por Ellen de Bruijne PROJECTS, Terrestrial Records presenta una serie de trabajos que exploran diversos temas contemporáneos, como nuestra actitud y relación con la naturaleza; la interacción entre digitalización, poder y privacidad; y las presunciones ocultas dentro de nuestras sociedades.
La obra de Lara Almarcegui  titulada "Derechos minerales (Tveitvangen)" cuestiona la propiedad de la Tierra y sus recursos naturales. En sus "City Weights" crea conciencia sobre nuestro entorno urbano opuesto a la naturaleza, y en sus "Guías" se centra en la importancia del páramo dentro de nuestro entorno construido.

Las obras que Lara Almarcegui  (Zaragoza 1972 residente en Rotterdam) que ha venido desarrollando a lo largo de casi veinte años cuestionan la frontera entre la decadencia urbana y la renovación urbana, y trata de hacer visible lo que tiende a pasar desapercibido. Aunque se centra en los espacios y estructuras abandonadas que se someten a un proceso de transformación, Almarcegui también investiga las diferentes conexiones que se pueden establecer entre la arquitectura y el urbanismo. Explora el estado actual de las zonas periféricas, su desarrollo, uso y decadencia y logra establecer un discurso sobre los diferentes elementos que constituyen la realidad física de un paisaje urbano en constante evolución

Artistas participantes en Terrestrial Records: : Lara Almarcegui, Pauline Boudry/Renate Lorenz, Pauline Curnier Jardin, Jeremiah Day, Maria Pask, Falke Pisano, Michael Smith

Terrestrial Records es parte de una serie continua de exposiciones alojadas por Manifesta en su sede de Amsterdam. Cada 6 meses, una galería de arte contemporáneo diferente de Amsterdam es invitada a comisariar un exposición específica para el lugar que enlaza con los temas clave de las bienales de Manifesta  o refleja la historia de Manifesta HQ, una casa del canal del siglo XVII en Herengracht. Las exposiciones se convierten en un punto de partida para reuniones públicas, debates, actuaciones y recepciones. A través de este programa, queremos mostrar nuestro aprecio y apoyo hacia la escena artística de Amsterdam.

Manifesta Foundation offices. Herengracht 474, 1017CA Amsterdam

https://manifesta.org

Imagen: “Mineral rights” Lara Almarcegui

BRUSELAS. “Private Choices:11 colecciones de arte contemporáneo de Bruselas ” CENTRALE

9 noviembre  2017 – 27 mayo  2018

Private Choices levanta el velo sobre un aspecto significativo del arte: las colecciones de arte contemporáneo y sus iniciadores, los amantes del arte. Estos últimos desempeñan un papel cada vez más importante en el mundo del arte en constante crecimiento y, en la era de la comercialización desproporcionada y la globalización del mercado del arte, estas personas apasionadas invierten tiempo y dinero en la creación contemporánea, a menudo de manera generosa.
Este proyecto arroja luz sobre 11 colecciones de Bruselas que incluyen obras de artistas belgas e internacionales, tanto reconocidos como emergentes, en un intento de mostrar la especificidad de cada una de ellos. A través de un proceso de selección llevado a cabo de la mano con los coleccionistas, descubrimos una faceta de su visión del arte y la vida.
Carine Fol, directora de arte en CENTRALE y comisaria de la exposición Private Choices nos dice:
Experimenté un viaje fascinante a medida que fui descubriendo obras, colecciones y las muchas personalidades fascinantes detrás de ellas. Desde la cocina hasta el comedor, desde el dormitorio hasta el hall de entrada, cada habitación cuenta una historia a través de diálogos entre las obras. Consciente o inconscientemente, cada coleccionista le da sentido al trabajo dentro de su universo. Ya sea que estas colecciones sean metódicas, intuitivas, secretas o compartidas, todas cuentan una historia privada: la historia del coleccionista que las encontró, la adquisición y la proximidad (mental y física) de las obras que alimentan sus vidas. Constantemente mutando e incesantemente creciendo, su colección les da energía, motivación para viajar, para cuestionar sus elecciones, a veces más allá de la razón ...
Desde la primera hasta la última pieza (los gustos personales cambian si uno tiene 20, 40 o 60), todos estos trabajos dan testimonio del compromiso con un artista y su creación, confirmando que coleccionar significa mantenerse vivo mientras se mueven certezas, inquietante y cuestionando la complejidad de la creación y sus vínculos con el mundo. Una colección revela al coleccionista en tanto que coleccionar es una actividad personal, un trabajo sobre uno mismo que le permite al coleccionista mirar el mundo de manera diferente con el objetivo de discernir sus inconsistencias.

Entre los artistas que incluye esta muestra, destacan las obras de los artistas españoles: Oriol VilanovaPep VidalCristina GarridoChema Madoz y Carlos Aires. (CENTRALE press-release)

 CENTRALE. Place Sainte-Catherine 44 Sint-Katelijneplein. Bruxelles 1000 Brussels

http://www.centrale.brussels

Imagen: Private Choice. CENTRALE

MADISON. Jaume Plensa “Talking Continents” Madison Museum of Contemporary Art

1 diciembre 2017 – 15 abril 2018

Talking Continents es una exposición de obras del artista español Jaume Plensa  reconocido internacionalmente por sus esculturas públicas de gran formato que exploran la literatura, la psicología, el lenguaje y la historia para abordar la unidad colectiva inherente a la condición humana.
Instalado en State Street Gallery, Talking Continents incluye diecinueve esculturas de acero inoxidable suspendidas en el espacio de la galería para crear un archipiélago flotante de formas similares a nubes. Las creaciones biomórficas de Plensa están compuestas por una multitud de letras de acero troqueladas derivadas de nueve idiomas diferentes. Metafóricamente imaginadas como islas o continentes, las esculturas multilingües hablan de la diversidad del lenguaje y la cultura, al tiempo que gesticulan hacia la interconexión global como un camino hacia la tolerancia y la aceptación. Esta noción de comprensión universal se ve reforzada por las representaciones de figuras humanas asentadas sobre cinco de los continentes flotantes. De manera similar, ensamblada a partir de un motivo de acero de caracteres alfabéticos, la reunión de figuras nos anima a pensar en las formas en que estamos unidos como humanidad colectiva. A través de su instalación, Plensa nos ofrece un espacio para reunirse, observar y contemplar mientras entablamos un diálogo que inspira la reflexión interna y la generosidad externa. (MMoCA press-release)

Madison Museum of Contemporary Art. 227 State Street, Madison, WI 53703 

http://www.mmoca.org      

 http://jaumeplensa.com

Imagen: Talking Continents. Jaume Plensa

BARCELONA. “MATERIA PRIMA” Fabra i Coats. Centre d´art Contemporany

8 noviembre 2017 – 1 abril 2018

MATERIA PRIMA es una propuesta expositiva que parte de una voluntad de prospección general del actual ecosistema local de artistas visuales a fin de determinar un mapa posible de algunos de los proyectos y obras más significativos producidos en nuestro entorno en los últimos años. En este sentido, la exposición, como fruto de una labor de prospección, apunta a una suerte de ejercicio de minería de la MATERIA PRIMA con la cual operan principalmente las estructuras, públicas y privadas, de investigación, producción, exhibición y mediación de arte contemporáneo local en nuestro país.

Al igual que otro tipo de minería, la de datos, MATERIA PRIMA aspira a activar, desde la gestión de la información derivada de esta prospección y de sus resultados, un proceso de generación de patrones de aproximación y de lectura del valor simbólico y de las circunstancias materiales presentes en nuestro ecosistema artístico.

En el marco de las premisas de esta prospección, en MATERIA PRIMA el corte de observación del ecosistema local de artes visuales se ha centrado en aquellos y aquellas artistas que, habiendo dejado ya –a menudo muy atrás– una primera fase emergente de su trayectoria, se encuentran hoy en curso de consolidación de sus carreras artísticas–un curso permanentemente inestable y temporalmente indefinido en la mayor parte de los casos–. Artistas y trayectorias que algunas voces, rehuyendo toda adscripción generacional, definen como de tramo medio, a medio camino entre la emergencia local y la consagración internacional.

Artistas y trayectorias de tramo medio que constituyen la MATERIA PRIMA de nuestro ecosistema local de artes visuales, razón por la cual un equipamiento expositivo como el de Fabra i Coats en Sant Andreu –llamado a erigirse en el centro de arte contemporáneo al que aspira esta ciudad–debe realizar una prospección sistemática para sacarlos a la luz y visibilizarlos. Comité curatorial: David Armengol, David G. Torres i Martí Peran

Artistas participantes:Antoni Hervàs, Antonio Ortega, Avelino Sala, Dani Montlleó, Daniela Ortiz, David Bestué, Domènec, Enric Farrés Duran, Erick Beltrán, Ester Partegàs, Jaume Pitarch, Javier Peñafiel, Joan Morey, Joana Cera, Jordi Mitjà, Lúa Coderch, Luis Guerra, Luís Bisbe, Luz Broto, Martí Anson, Mireia Sallarès, Núria Güell, Oriol Vilanova, Patricia Dauder, Pere Llobera, Rafel G. Bianchi, Regina Giménez, Tere Recarens, Xavier Arenós y Yamandú Canosa. (Fabra i Coats press-release)

Fabra i Coats. Centre d´art Contemporany. c/ Sant Adrià, 20. 08030 Barcelona

Fabra i Coats. Centre d´art Contemporany.

http://ajuntament.barcelona.cat/centredart/es/

Imagen: MATERIA PRIMA. Pere Llobera

NUEVA YORK. Ester Partegàs “Art in the Open” Museum of the City of New York

10 noviembre 2017 – 13 mayo 2018

Ester Partegàs participa en la exposición Art in the Open. Cincuenta años de arte público en la ciudad de Nueva York.

Hasta la década de 1960, la mayoría del arte público en la ciudad de Nueva York se limitaba a monumentos de guerra, murales con mentalidad cívica o relieves que incorporaban valores universales como "Fraternidad" o "Sabiduría". Pero a finales de la década de 1960 llegó una nueva era que cambió la visión en el ámbito público. En los años posteriores, cientos de obras de arte innovadoras, tanto permanentes como temporales, se han instalado en los espacios públicos de Nueva York, convirtiéndolo en el entorno más sólido y vibrante para el arte público en el mundo.
 Arte in the Open destaca obras que han transformado tanto los espacios públicos de la ciudad como las expectativas públicas del papel y el potencial del arte que existe fuera de los límites tradicionales de museos y galerías. La exposición contará con representaciones, maquetas, fotografías y videos que recogen la creación de obras de arte público de artistas como Red Grooms, Christo y Jeanne-Claude y Kara Walker.

Ester Partegàs (1972 , La Garriga , Barcelona) tiene un MFA en escultura por la Universidad de Barcelona y cursó estudios de postgrado en artes multimedia en Universität der Künste , Berlín . Ha presentado exposiciones y proyectos en el Museo de Arte Contemporáneo Aldrich , Ridgefield , CT ; Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía , Madrid ; Hallwalls , Buffalo , Nueva York,Centro de Arte Santa Mónica , Barcelona , y Galería de la Universidad de Rice, Houston, TX, entre otros lugares . Durante la última década, el trabajo de Partegàs ha sido incluido en más de 60 exposiciones colectivas a nivel internacional. Está representada por Foxy Productions, Nueva York; Christopher Grimes , Santa Mónica, y NoguerasBlanchard, Barcelona y Madrid. Es profesora adjunta en el Departamento de Escultura de VCU + Extended Media, donde comenzó a enseñar en 2011. En la actualidad es profesona en Parsons/New York (MCNY press-release)

Museum of the City of New York. 1220 Fifth Avenue @ 103rd St.. Ramp access @ 104th St.New York, NY 10029

http://www.esterpartegas.com

http://www.mcny.org

Imagen: Ester Partegàs, The Source, permanent installation at Plaza de las Americas, New York, NY. Commission of the City of New York Department of Cultural Affairs Percent for Art Program. Photo: Mark Woods

LA HAYA. "González, Picasso y amigos" Gemeente Museum

25 noviembre 2017 - 2 abril  2018

Junto con Constantin Brancusi y Pablo Picasso, el artista español Julio González (1876 - 1942) es considerado uno de los escultores más importantes del siglo XX. Esta retrospectiva de más de 100 obras, la mayoría de las cuales se exhiben en los Países Bajos por primera vez, arroja luz sobre su desarrollo personal: desde sus días como obrero metalúrgico en el taller de su padre en Barcelona hasta su época como escultor de vanguardia. en París. También aborda la colaboración y la amistad únicas entre González y Picasso (1929 - 1932). Esta colaboración jugó un papel decisivo en el desarrollo del estilo único e innovador de González, y también dio lugar a nuevas formas de expresión en la obra de Picasso.

Trabajaron juntos en varias esculturas durante un período de cuatro años. Para ambos artistas, la colaboración proporcionó un impulso importante para un mayor desarrollo. Gracias a González, Picasso descubrió nuevos modos de expresión en la escultura y para González la colaboración fue el tramo final de su viaje hacia un estilo artístico distintivo. Esta exposición en el Gemeentemuseum de La Haya se centra principalmente en el desarrollo de González de artesano a artista de vanguardia. Con no menos de 20 obras de Picasso, también es una celebración de la amistad entre los dos hombres.

La exposición también examina las amistades altamente personales que Julio González mantuvo con otros artistas. Trabajó durante algunos años como asistente de Constantin Brancusi (1876 - 1957). Pablo Gargallo (1881 - 1934), quien se basó en la experiencia técnica de González desde 1923, reconoció su talento artístico y lo animó a dedicarse por completo a la escultura. Y fue en el taller de González que el yerno de Gargallo, Hans Hartung (1904 - 1989), creó su primera y única escultura en 1938. (Gemeentemuseum press-release)

Haags Gemeentemuseum. Stadhouderslaan 41, 2517 HV Den Haag

https://www.gemeentemuseum.nl/en

Imagen: Julio González (1876-1942), Monsieur Cactus (L’Homme Cactus I), Colección Gemeentemuseum Den Haag

 

DIÁLOGOS SIN PALABRAS. Vídeo Secuencia Final

 

diálogos SIN palabras / 18 fotografas mantienen una conversación a través de sus imágenes

 

Un placer presentar el vídeo  “diálogos SIN palabras” realizado por Nagore Legarreta

Entre los meses de marzo a mayo de este año, 18 fotógrafas españolas han estado dialogando entre ellas a través de sus imágenes, la secuencia final recoge el resultado de esta aventura que no puede ser más satisfactorio, los diálogos han sido verdaderos, cada una de las fotógrafas participantes se ha volcado en el proyecto y creo hemos conseguido una valiosa secuencia de imágenes estrechamente relacionadas entre sí que resalta la gran fuerza de la fotografía como medio de comunicación y la capacidad de interrelacionarse de 18 fotógrafas de distintas generaciones, técnicas y estilos. ¡BRAVO A TODAS!

Como fundadora y editora de la agenda de exposiciones de artistas españoles en el exterior quepintamosenelmundo.eu, he seguido con entusiasmo, y día a día,  la trayectoria de la fotografía española, y en especial la fotografía realizada por mujeres. “diálogos SIN palabras”  está protagonizado por el punto de vista y enfoque femenino, todas las fotógrafas participantes están en estos momentos contribuyendo a promocionar y hacer perceptible nacional e internacionalmente la fotografía española actual realizada por mujeres. 

Participantes: Alejandra Carles-Tolrá.- Marta Soul.- Beatriz Moreno.- Bego Antón.- Berta Jayo.- Diana Coca.- Eva Diez.- Gisela Rafols.- Irene Cruz.-.-Alejandra López Zaballa.- Montserrat de Pablo.- Soledad Córdoba.- Ouka Leele.- Patricia Esteve.- Lidia Benavides.- Isabel Muñoz.- Nagore Legarreta. Moderadora y comisaria: Blanca Mora Sánchez.

En quepintamosenelmundo.eu se inicia una nueva etapa, a la ya consolidada agenda de exposiciones se ha sumado el nuevo espacio de proyectos on-line “diálogos SIN palabras” con el objetivo de elevar imágenes a un lenguaje mediático totalmente independiente que se adapte mejor a la comunicación de hoy en día, un diálogo basado en imágenes.

Inspirándose tanto en un surrealista Cadáver Exquisito como en las técnicas de apropiación de imágenes, “diálogos SIN palabras” ha adoptado la forma de una conversación para producir una nueva secuencia de significados e interpretaciones. La suma acumulada de estas imágenes en la secuencia se ha convertido en un encuentro de imágenes con "alma". Blanca Mora Sánchez

quepintamosenelmundo.eu

 

 

COLONIA. Teresa Solar “KölnSkulptur #9: La Fin de Babylone”Skulpturenpark

15 octubre 2017 - 15 marzo, 2018

El parque de esculturas se dedica bianualmente al encargo de esculturas para un parque público al lado del Rin en Colonia. La iniciativa es una de las pocas que tiene este carácter en Europa y ha contribuido hasta ahora a producir más de 177 piezas. Las obras se quedan en el parque por un periodo de dos años y durante ese tiempo se realizan programas de divulgación, visitas y conferencias.
La edición número 9 de este año celebra el 20 aniversario del parque y esta comisariada por Chus Martinez que ha decidido producir varias piezas nuevas, ocho en total, una de ellas de la artista española Teresa Solar.

Teresa Solar Abboud (Madrid, 1985) Vive y trabaja en Madrid, su trabajo gira en torno a prácticas heterogéneas que se materializan en obras audiovisuales y escultóricas, en las que los lenguajes de las dos disciplinas se conectan e interactúan.

 Sus proyectos, estructurados alrededor de personajes o agentes catalizadores, se caracterizan por ser de larga duración y desarrollarse en diferentes fases y manifestaciones.  Dentro de esta constelación de personajes cabe destacar el trabajo con Lawrence de Arabia y con el fotógrafo Harold Edgerton, que le permiten hablar de ejes temáticos transversales en su obra, como  la figura del pionero y  del extranjero.

 Sus trabajos escultóricos están estrechamente ligados a sus proyectos audiovisuales. Muchos de los elementos que utiliza, como decorados y atrezzo, para sus películas funcionan posteriormente como esculturas y viceversa. Teresa Solar explora la doble naturaleza de estos elementos, visitados a través de la mirada parcial de la cámara y que, posteriormente, cobran una nueva entidad en la sala.

Artistas “KölnSkulptur #9: La Fin de Babylone “: Andrea Büttner, Claudia Comte, Jan Kiefer, Eduardo Navarro, Solange Pessoa, Lin May Saeed, Teresa Solar, and Pedro Wirz

Skulpturenpark Köln. Riehler Straße (Haupteingang). 50668 Köln

http://www.skulpturenparkkoeln.de http://www.teresolar.com

Imagen: Teresa Solar. Pumping Station, 2017. Resin, Porex, bronze

OSTENDE. Carlos Aires “The Raft. Art is (not) Lonely” Mu.Zee

22 octubre 2017 – 14 abril 2018

“The Raft. Art is (not) Lonely“no es solo una exposición, sino también una conversación con Ostende, la ciudad junto al mar, con su propia historia y aroma distintivos. La base de la exposición de Mu.ZEE, que se presentará en varios lugares repartidos por la localidad costera de Bélgica, es la investigación exhaustiva realizada por "The Raft of the Medusa" (1818) de Théodore Géricault y la balsa utópica de Jan Fabre. El arte es (no) solitario (1986). Aunque hay una diferencia de tiempo inconfundible de 170 años y un origen histórico completamente diferente, ambas obras se vinculan entre sí gracias a su visualización de la expedición y el destino del artista, que es un tema que actúa como una metáfora de la condición humana.

Carlos Aires participa en la exposición colectiva "The Raft Art is (not) Lonely" en el Mu.Zee de Oostende con la pieza "Mar Negro", 2012. Instalación, madera y vídeo. Colección MACBA, Barcelona

La obra “Mar Negro” se compone de una instalación compuesta por un suelo de maderas pintadas y un vídeo. Las maderas son piezas sueltas que se instalan en una combinación aleatoria y con forma geométrica, su tamaño depende de la extensión del suelo de la sala donde se expone. El espectador puede andar por encima del suelo, ya que los componentes son maderas usadas y recicladas. A primera vista, la pieza destaca por la belleza formal, el color y la textura del entramado. Sin embargo, un segundo elemento de la instalación nos da información adicional sobre la procedencia original de este suelo: el vídeo nos muestra que el artista ha reutilizado el material proveniente de los restos de pateras y cayucos abandonados en las costas españolas. En Cádiz existe un cementerio de barcos, donde van a parar las pequeñas embarcaciones utilizadas para el transporte ilegal de inmigrantes. De repente, las cualidades formales de la pieza devienen en tragedia, la de más de 20.000 personas fallecidas o desaparecidas al cruzar un mar que la muerte ha teñido de negro.

Carlos Aires (Ronda, Málaga 1974) vive en la actualidad en Madrid, desarrollando con su trabajo su estética de la ambigüedad y la actitud analítica hacia nuestra forma de percibir la realidad que nos rodea. Desde el collage pasando por la fotografía, video y performance, Aires muestra un arte provocativo, lleno de inquietud y escepticismo. Nos sumerge en una realidad molesta y discutible, donde los mitos regulares pierden su sentido, la historia toma nueva naturaleza y la verdad da espacio a las mentiras a medias. A Carlos Aires le gusta proponer juegos al público, para descubrir cuántas y cuáles podrían ser las diferentes maneras de leer una imagen, un vídeo, una actuación, para interpretar una situación.

Mu.ZEE. Romestraat 11. B-8400 Ostend. Bélgica

http://www.muzee.be  http://carlosaires.com

Imagen: Mar Negro. Carlos Aires

 

BARCELONA. Lita Cabellut “Retrospective” Espai Volart 2, Fundació Vila Casas

5 octubre 2017 – 27 mayo 2018

Después de la exposición “Trilogía de la duda” celebrada en el año 2013 en el Espai Volart 2, la Fundació Vila Casas inaugura nuevo espacio expositivo con esta muestra que traspasa los límites convencionales de la pintura para situarse en el terreno del riesgo, del gesto y del retrato psicológico con un clasicismo latente, heredero de Goya, Velázquez o Rembrandt.

Ideada y dirigida por Antoni Vila Casas y Lita Cabellut, “Retrospective” reúne obras de los últimos años organizadas en algunas series comprendidas entre los años 2008 y 2017 como “Flower installations” (2016-17), “Disturbance” (2015), “Blind mirror” (2015), “Tempus & divine” (2015), “Black tulip” (2014), “White silenci” (2014), “Dried tear” (2013), “After the show” (2012), “Camaron” (2011), “Memories wrapped in gold paper” (2012), “Coco” (2011), “Frida” (2011), “Madness and reason” (2010), “Installation” (2010), “State or grace” (2010), “Country life” (2009), “Ethics” (2017) y “Dillusion” (2008).

La belleza es el origen de todo lo que conmueve, lo más puro y profundo; también lo más duro porque duele, del mismo modo que duele criar. Es amor. Como un beso crudo. Y la inteligencia son sus ojos.

Lita Cabellut (Sariñena, 1961) es una artista cuya obra va más allá de los límites de la pintura convencional. Determinada, libre, de carácter fuerte y apasionada, Cabellut defiende una pintura desvinculada de las directrices que marcan el mercado artístico. Para ella el arte debe estar por encima de todo esto y el artista ha de ser totalmente libre porque solo de esta forma se puede conseguir el arte por el arte.

Trabaja con lienzos de grandes dimensiones y con una paleta totalmente estudiada y personal, y es que sus colores, como su obra, son intensos y temperamentales, así como el tratamiento de la factura, matérica y voluptuosa. Cabe destacar que, a pesar de que también usa el óleo, muchas de sus pinturas están realizadas con la técnica de la pintura al fresco.

Lita Cabellut es una artista fértil, con una abundosa obra que se ha ido nutriendo desde que tenía solo 15 años y descubrió la pintura en el Museo del Prado de la mano de su familia adoptiva. En esta exposición presentamos una muestra que resume los últimos 10 años de creación de esta artista de origen aragonés, crecida en Barcelona y establecida en La Haya. Un recorrido, pues, por algunas de las series más significativas que han acompañado las reflexiones de una de las artistas más significativas del panorama artístico internacional contemporáneo. (Fundació Vila Casas press´release)

Espai Volart 2. C/ Ausiàs Marc, 22. 08010 Barcelona

http://www.fundaciovilacasas.comhttp://www.litacabellut.com

Imagen: Lita Cabellut

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