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Foto: B. Mora

MADRID. Nano4814. Turno de noche. Delimbo Gallery

17 febrero - 1 abril, 2018

“Intentar atravesar cualquiera de las obras de Nano 4814 (Vigo, 1978) implica adoptar la forma de un agujero: un espacio que aparece ante nosotros de manera lacónica y nos arrastra al regocijo de la sinestesia sabiendo que alguno de nuestros órganos sensoriales puede sufrir fracturas, transmutaciones o algún tipo de estropicio silencioso. Una vez dentro, seducidos por el recorrido de sus diáfanas trampas, aparece una suerte de destellos cargados de una cotidianidad que creemos digerir día a día, pero que, sin duda alguna, nos replantearemos a la salida” …. “Estos destellos mutan súbitamente en un escuadrón de espectros perdonavidas que nos ofrecen un menú de experiencias: conocer el olor de un hueso roto, escuchar el estallido de una pila de globos de cemento, o besar la hoja de una navaja tan afilada como el arcoíris” … “Podríamos decir que ese «constante intento de escabullirse» articula toda la obra del artista gallego; son esas estrategias de escape las que conforman un vasto imaginario que se pliega sobre sí mismo, a base de capas oscuras y trágicas, pero que han sido tejidas con hilos luminosamente ácidos. Al hablar de estas capas, me viene a la memoria una cita de Eva Fernández del Campo con la que abre su ensayo La infancia como patria: «Todos hemos sido niños enfermos, y seguramente por haber estado sumergidos en las infinitas dobleces de sábanas, mantas y colchas, podemos luego, de adultos, explorar estremecidos el intrincado sistema de dobleces en que la pintura consiste». Curiosamente, de esta cita también emerge otro de los pilares de la obra del artista: el juego. La importancia del homo ludens se manifiesta, en su caso, como una explosiva reivindicación de las travesuras de un niño, eso sí, con todas las responsabilidades encima del tablero, a la vista de los adultos” Daniel Muñoz

Nano 4814 comienza a utilizar la calle como soporte creativo a mediados de los años 90. Inspirado originalmente por las formas del graffiti tradicional, pronto sus piezas se cargan de particularidades icónicas y narrativas, desarrollando un mundo creativo propio, tanto a nivel estético como conceptual.

Tras licenciarse en Bellas Artes en la universidad de Pontevedra y una breve estancia formativa en Londres, estudiando en escuelas como Saint Martins School of Arts o el London College of Printing, se muda a Madrid en el 2004 para desarrollar su trabajo artístico exponiendo en galerías e instituciones tanto en España como en el extranjero.
De los proyectos en los que ha participado podríamos destacar “Planet Prozess” en Berlin, la exposición “Urbanitas” en el MARCO de Vigo o “Street Art” en la Tate Modern de Londres entre otros muchos.
Forma parte del colectivo artístico El Equipo Plastico, junto con Eltono, Sixe y Nuria Mora.
Su obra se nutre de los distintos campos creativos en los cuales actúa: desde el diseño o la ilustración, a sus intervenciones callejeras o su trabajo de galería, siendo este último el que le permite centrarse en conceptos más personales, trabajando con técnicas como el dibujo, la instalación, la escultura o la pintura mural.(Delimbo press-release)

DELIMBO GALLERY MADRID. Doctor Fourquet 30. 28012.

http://www.delimbo.com

Imagen: Nano4814

MADRID. ISABEL MUNOZ. AGUA. GALERIA BLANCA BERLIN

16 febrero – 21 abril 2018

Las imágenes que forman parte de la exposición “Agua” han sido obtenidas por Isabel Muñoz en 2016 y 2017 bajo las aguas mediterráneas y en distintos mares del Japón. En sus propias palabras “Inicié este proyecto atraída por la belleza de los entornos marinos y como llamada de atención ante los peligros que amenazan su supervivencia.  El mar nos lo da todo sin pedirnos nada a cambio. Damos por sentado que su riqueza es inagotable, que puede con nuestros descuidos, nuestra falta de previsión, nuestros excesos. Pero las cosas no son así. ¿Qué vamos a dejar a nuestros hijos y nietos si no somos capaces de cuidar de sus tesoros, si seguimos echando al mar plásticos que son trampas mortales para las especies que lo habitan, si continuamos vertiendo residuos que pondrán fin a la biodiversidad marina si no reaccionamos a tiempo?”

Todas las obras expuestas en “Agua” son platinotipias. Aunque son difíciles de crear y su coste es alto, las impresiones en platino constituyen una de las expresiones más ilustres del arte fotográfico. Su belleza y permanencia hacen que la platinotipia sea una pequeña joya para los amantes de la fotografía y, cómo no, para coleccionistas e inversores. Estas copias se caracterizan por su amplia rendición de tonos, que parte del negro cálido y se expande en una amplia gama de matices grises, con una reproducción de luces especialmente sutil. Isabel Muñoz está considerada como una de las grandes expertas internacionales de la platinotipia. Tras más de una década de investigación, Isabel ha logrado incluir el color en este proceso, lo que constituye un punto de inflexión en la historia de la fotografía.

Durante más de cuarenta años, Isabel Muñoz ha recorrido el mundo con su cámara retratando los sentimientos del ser humano en su estado más puro, en su intimidad más recóndita. Desde la dignidad de las tribus primitivas hasta el desconsuelo de las cárceles; desde la sensualidad de la danza hasta la denuncia de la opresión; desde el éxtasis que supera el dolor lacerante hasta el dolor que ya no podrá ser superado. La autora catalana ha fotografiado casi todos los sentimientos y emociones que alberga la especie humana, incluso aquellos de nuestros ancestros, los primates, cuyos gestos forman parte de nuestros genes desde hace millones de años.

En 2016 fue reconocida con el Premio Nacional de Fotografía, habiendo obtenido anteriormente premios tan prestigiosos como el World Press Photo 1999 y 2004, el Bartolomé Ross, Unicef España, Medalla de oro al mérito de las Bellas Artes en 2009, Comunidad de Madrid, etc. Sus imágenes forman parte de las más importantes colecciones públicas y privadas de todo el mundo.(Blanca Berlín press-release)

Blanca Berlín Galería. C/ Limón, 28 – Plaza Guardias de Corps 28015 Madrid, España.

http://www.blancaberlingaleria.com

http://www.isabelmunoz.es

Imagen: Isabel Muñoz. S/T. Serie Bajo el agua, 2017

MADRID. Martin Chirino en su Finisterre. Galeria Marlborough

15 febrero – 28 marzo, 2018

En vísperas de cumplir 93 años, un fuerte impulso vital recorre la última obra de Martín Chirino. Vuelven las espirales de Chirino, fruto de su labor más reciente. El herrero ha apostado con todas las consecuencias por la escultura en su manifestación más plena y rotunda. La exposición que inaugura en su galería de cabecera, Galería Marlborough, puede entenderse como una exploración de un nuevo hacer directo y espontáneo en el que la obra es pensada al tiempo que se realiza, y que poco a poco va abriendo fisura y camino en los trabajos anteriores a modo de un continuum.  Durante esta etapa de madurez sigue trabajando con los sedimentos de toda una vida de experiencias. Son esculturas optimistas desde un viso que el propio artista define como “Finisterre”, y que son, por tanto, continuadoras de ese universo tan personal en el que prevalece la curva del Viento. La escultura de Chirino se abre con plena madurez a la mirada de una década después de su última exposición en esta misma galería, y el conjunto de su obra se revela como una serie de claves necesarias para el examen de nuestra época, tiempos que él considera convulsos y de difícil interpretación. Vuelven a aparecer sus Cabezas Crónicas del SigloXX, como siempre meditando y con mirada reflexiva.

La intensidad del proceso de realización, la celeridad de la ejecución y el manejo simultáneo de varias esculturas a la vez, provocan necesariamente una alta movilidad emotiva e icónica, una constante retroalimentación de los impulsos y de la memoria formal. Es la obra del herrero un resultado fecundo que se multiplica y se refleja en la de otros artistas de su época. Junto a Chillida y Oteiza, Chirino es el escultor más incisivo de su generación, como señala Calvo Serraller en el texto que acompaña el catálogo editado para la muestra. Asimismo, Su obra está dotada del vigor necesario para servir de materia de reflexión en los artistas más jóvenes.

Su devoción por la música se pone de manifiesto en esta muestra, con un bello homenaje (Guitarra. Sueño de la Música. Homenaje VII) a modo de fragmento, tan común en la mejor literatura, a la mejor poesía e incluso gran parte del mejor pensamiento de este siglo como una de las características más notables de este artista que los usa con inteligencia y recurre a ellos de una forma anacrónica, recuperándolos del pasado para incorporarlos a sus obras nuevas. Elogio del fragmento, uso cada vez más sutil de las consecuencias, Chirino esculpe sus enigmas como si estuviera mostrando un relato, imagen a imagen, forma a forma, y nos reclama una mirada integral, totalizadora, que, desde un punto de vista exterior, sea cómplice de ese tapiz aleatorio, que no nos quiere imponer sino como la cambiante llama del fuego que da vida a sus esculturas, quiere fascinarnos. ¡Y vaya que lo consigue! (fundacionmartinchirino press-release)

Galeria Marlborough. Orfila, 5. Madrid, 28010,
http://www.galeriamarlborough.com

http://www.fundacionmartinchirino.org

Imagen: Fundación Martín Chirino

MADRID. Jeronimo Elespe. Galeria Maisterravalbuena

10 febrero - 7 abril 2018

A través de un lento proceso acumulativo de adición y sustracción, de meses o incluso años, cada pintura de Jerónimo Elespe se revela como una plataforma para investigar la propia naturaleza del tiempo y la memoria. A menudo trabajando en muy pequeños formatos, explora las propiedades físicas de las obras con temáticas que habitualmente aluden a estados próximos a lo inmaterial.

Junto con un profundo estudio de la historia de la pintura, fuentes tan diversas como la literatura simbolista y decadentista francesa de finales del XIX , o la narrativa de Donald Barthelme y J.G. Ballard, entre otros, juegan un papel fundamental en la práctica de Elespe, siguiendo un diálogo entre realidad y ficción en el que las obras cumplen a la vez la función de ambiguos y muy personales diarios abstractos, herramientas de experimentación de diversos lenguajes pictóricos y repositorios de ficciones creadas por el filtro de la memoria.

Jerónimo Elespe (Madrid, 1975) desarrolló su formación y los primeros años de su carrera artística en Estados Unidos, donde se licenció en la School of Visual Arts de Nueva York y completó después el máster de Bellas Artes de la Universidad de Yale. En 2008, tras doce años en Nueva York, se instaló de nuevo en Madrid, donde actualmente vive y trabaja.

Su trabajo ha sido expuesto en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia (MNCARS), Madrid; Centro de Arte Contemporáneo de Málaga (CAC); University of Massachusetts Art Gallery y el New York Institute of Technology, así como en la Galería Soledad Lorenzo y en Ivorypress, entre otros espacios. Entre sus próximos proyectos destaca su participación en ‘The Lure of the Dark’, una exposición colectiva que tendrá lugar en el MASS MoCA.

La obra de Jerónimo Elespe se encuentra, entre otras, en las colecciones del Carnegie Museum of Art en Pittsburgh, del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid y del Centro de Arte Contemporáneo de Málaga.

Galeria Maisterravalbuena. The Fall Gardener, 2015-17. Oil on aluminium panel. 40 x 25 cm

http://maisterravalbuena.com

http://jeronimoelespe.com

Imagen: The Fall Gardener, 2015-17. Oil on aluminium panel. 40 x 25 cm

MADRID. Irene Cruz. Drowning in Blue. Galeria Theredoom

20 febrero – 17 marzo, 2018

En “Drowning in Blue” Irene Cruz reflexiona sobre la injerencia de un material tan habitual en nuestro día a día, como es el plástico, y de su consecuente vinculación con el medio ambiente.

Convive en la fotografía de Irene la idea del medioambiente como supérstite de un ser humano que cesó de habitarlo, para usarlo, dominarlo y, aun así, la naturaleza de la que nos habla en sus fotos es afable, generosa, acogedora. Es una naturaleza que nos perdona, como una madre absolviera la culpa más nefasta de su hijo, como la mirada de alguien que se está apagando lenta pero inexorablemente y nos sonríe, porque en su esencia no perdura la ira, sino el anhelo de superación.

​Nos enfrentamos a un escenario del que ya no nos podemos apartar: la Tierra llora nuestras propias lágrimas. Este desconsuelo líquido envuelve los cuerpos de los protagonistas de las fotografías de Irene -que navegan en un ecosistema que ya es otro, distorsionado pero reconocible- bajo otra forma, que es aquella con la que tenemos que coexistir. Asimismo percibimos en ellos una energía, que sobresale del olvido, y bucea en nuestra conciencia hasta arrinconarnos en la vergüenza que nos corresponde… Sin embargo la eludimos, como si estuviéramos en la orilla de un futuro que supuestamente es de otros, los que vendrán después. No obstante el tiempo, cada vez más rápido, lo va acercando también a nuestra propia existencia.  

​De alguna manera, el planteamiento ético y estético de la obra de Irene nos relaciona con el que será el argumento del debate de este año en ARCO. En lugar de un país invitado, el eje central de la feria se ha desplazado hacia un tema concreto: el futuro, y cuyo lema nos dice que El futuro no es lo que va a pasar, sino lo que vamos a hacer. Con esta exposición, por tanto, queremos recapacitar sobre nuestras responsabilidades como individuos, ciudadanos o, simplemente, como huéspedes de un mundo que, aparentemente, va cambiando con nosotros pero que, en realidad, somos nosotros mismos los que lo estamos modificando.

​Comisaria: Andrea Perissinotto

Galería Theredoom, Doctor Fourquet, 3. 28012, MADRID

http://www.theredoom.net

Irene Cruz

Imagen: Drowning in Blue. Irene Cruz

MADRID. “Cualladó esencial. Gabriel Cualladó, fotógrafo” Canal de Isabel II

17  febrero - 29 abril, 2018

La Sala Canal de Isabel II presenta esta exposición dedicada a Gabriel Cualladó, un homenaje a uno de los grandes maestros en blanco y negro de la fotografía española de la que muestra el trabajo de un autor claramente rupturista en el devenir del siglo XX.

La exposición, comisariada por Antonio Tabernero, confirma que la obra de Cualladó es una de la más singulares de la fotografía española, no solamente por su dimensión poética y por su extraordinaria libertad de expresión, sino también por la natural sencillez con la que abordó su personal interpretación del mundo.

Su época de mayor actividad fueron las décadas de los 50 a los 70, aunque su carrera continuó siendo fecunda hasta poco antes de su fallecimiento, como demuestra el proyecto fotográfico Puntos de vista para el Museo Nacional Thyssen – Bornemisza, configurando una trayectoria inclasificable. En ella plasmó una obra cargada de humanismo lírico, encontrando poesía incluso en lo más doméstico, recorriendo ciudades como Madrid o París, pero también entorno rurales del norte de España.

Gabriel Cualladó (Massanassa, Valencia, 1925 – Madrid, 2003) fue miembro de AFAL y cofundador del grupo La Palangana, antes de formar parte de la Escuela de Madrid. Fue premiado, entre otros reconocimientos, con el primero de los Premios Nacionales de Fotografía y con la Medalla de Oro del Círculo de Bellas Artes de Madrid. Su obra está presente en las colecciones y museos más relevantes del país, a pesar de ser uno de los grandes desconocidos de la fotografía para el gran público.

Sala de Exposiciones Canal de Isabel II. C/ Santa Engracia, 125. 28003 Madrid      

http://www.madrid.org

Imagen: Gabriel Cualladó - Sobrepiedra, Asturias, 1958