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Foto: B. Mora

BARCELONA. Francesc Torres. La Campana Hermetica. Espacio para una antropologia Intransferible. MACBA

10 marzo – 11 septiembre, 2018

En el marco de las prácticas artísticas contemporáneas, el trabajo de Francesc Torres (Barcelona, 1948) se encuentra a medio camino entre las propuestas de aquellos artistas que a mediados de los años sesenta se decantaron por la crítica institucional y las de aquellos que, en la década de los ochenta, intentaron la huida del mercado del arte realizando obras que únicamente eran viables dentro del espacio del museo. Torres fue uno de los impulsores de la tipología artística de la instalación multimedia, precisamente en el momento en que el expresionismo y la nueva pintura salvaje constituían las corrientes dominantes. Las instalaciones de Francesc Torres reflexionan de manera crítica sobre el poder, la política, la violencia, la memoria y la cultura de nuestro tiempo. 
Las Wunderkammer o gabinetes de maravillas fueron un fenómeno aparecido en la Europa del siglo XVI que reunía, junto a antigüedades y objetos artísticos, objetos excepcionales de la más variada naturaleza, como fósiles, corales, rarezas exóticas, armas, esferas armilares, etc. Eran artefactos que reflejaban el poder económico y también el conocimiento acumulado de sus propietarios, además de convertirse, con el paso de los años, en «cápsulas de tiempo» del momento en que fueron creados. El principio de acumulación más o menos sistematizada de ese período nos aproxima a La campana hermética de Francesc Torres: una Wunderkammer sui generis que es también acumulación de capas de sedimentos, yacimiento arqueológico, almacén, archivo, cerebro... Torres habla de la campaña arqueológica en la que se ha sumido, en complicidad con el MACBA, para rescatar de su archivo –y de su memoria– aquellos objetos y documentos que ha conservado durante años, rigurosamente ordenados, sin revisar. Al abrir cajas y carpetas de su archivo personal han aflorado, para sorpresa del propio artista, los antecedentes de los temas que Torres ha ido abordando y desgranando en su producción artística hasta la actualidad.
El potencial simbólico y la capacidad de originar pensamiento abstracto de la mayor parte de los objetos, juguetes e imágenes que el visitante hallará en esta «campana hermética» han dado lugar a las creaciones más críticas, agudas e inteligentes de la trayectoria artística de Francesc Torres. Antònia Maria Perelló. (Macba press-release)

MACBA . Plaça dels Àngels, 1 . 08001 Barcelona 

https://www.macba.cat/es

Imagen: Francesc Torres. La Campana Hermética. Espacio para una antropología Intransferible

BARCELONA. Antoni Tapies. T de Teresa. Fundacio Tapies

6 febrero – 28 octubre 2018

 

La exposición incluye la serie de dibujos Sèrie Teresa (Serie Teresa, 1966) junto con la serie de litografías, litocollages y collages Cartes per a la Teresa (Cartas para Teresa, 1974). Estas obras celebran un lenguaje privado, accesible solo para aquellos que lo utilizaron.

En Memòria personal (Memoria personal, 1977) Tàpies la recuerda con “el verdor claro de sus ojos, sus cabellos finos y rubios, sus pómulos eslavos y sus atrayentes labios…” 

Antoni Tàpies (1923-2012) conoció a Teresa Barba (1934) a finales de la década de 1940. Por aquel entonces ella era aún muy joven. Pocos años antes había perdido a su madre y tuvo que hacerse cargo de sus cinco hermanos, a la vez que cuidaba de su padre. Todo ello le confirió una madurez y una humanidad poco corrientes para alguien de su edad. Durante la estancia del artista en París el bienio 1950-1951 intercambiaron una correspondencia intensa y frecuente que los unió a través de vínculos íntimos. Al volver de París formalizaron su relación y en octubre de 1954 Antoni Tàpies y Teresa Barba se casaron en Barcelona.

La presentación de la serie de dibujos Sèrie Teresa (Serie Teresa, 1966) junto con la serie de litografías, litocollages y collages Cartes per a la Teresa (Cartas para Teresa, 1974) rinden homenaje a la relación de los dos. Estas obras celebran un lenguaje privado, accesible solo para aquellos que lo utilizaron. Los dos bloques de trabajo despliegan un repertorio de signos sin traducción para los espectadores. Todo un gesto que preserva la intimidad de la pareja a pesar de las alusiones explícitas a la domesticidad y a la sexualidad compartida.

Los dos títulos remiten a la metodología de la música serial con la que se explora la combinatoria de la serie de los doce tonos. Tàpies consideraba que la música, liberada de la narratividad más tradicional, constituía una forma de expresión más pura. Por eso traslada esta metodología al dibujo. Cuando en 1971 realizó la serie Cartes per a la Teresa (publicada en 1974 en forma de carpeta), el artista juega con el doble significado de la palabra carta. Por un lado, el de la comunicación escrita que alude a la correspondencia amorosa entre

Teresa y él y, por otro, un sentido mucho más esotérico, el que hace referencia a una baraja que sirve para jugar a ciertos juegos o para hacer trucos de ilusionismo. Teresa es también el nombre que carga con un sentido político. Tal como Tàpies dejó dicho en los fragmentos de su autobiografía, en los “primeros años sesenta,[...] con Teresa iba viviendo más y más de cerca las injusticias que se hacían a nuestro pueblo, tan vejado, a las clases trabajadoras, a la gente sacrificada de la oposición… Y también las luchas que se estaba obligado a mantener para pedir los derechos más elementales en cualquier país democrático, luchas con las cuales tanto Teresa como yo nos sentíamos cada vez más identificados”. (F.Tápies press-release)

Fundació Antoni Tápies. Aragó 255. 08007 Barcelona

https://www.fundaciotapies.org

Imagen: Fundació Antoni Tápies

BARCELONA. Jordi Comas. [Re]velados. Projekteria Art Gallery

17 febrero – 8 abril, 2018

[Re]velados presenta dos partes de la trilogía de la niebla de Jordi Comas, un trabajo donde los conceptos de velado y revelado y la dualidad entre el paisaje aparecido y el oculto refuerza una visión onírica de la realidad

"[Re]velados consiste en Re-conocer un paisaje concreto dónde la niebla ocupa buena parte de la temporada de invierno otorgando unas características específicas de humedad que condiciona su principal actividad económica y el carácter de sus gentes. Eligiendo al azar un lugar, el proyecto documenta el sutil y gradual proceso de Re-velado del paisaje, introduciendo en la obra el carácter fortuito y contingente propio de la fotografía". Jordi Comas

Jordi Comas Mora (Vic, Barcelona), compagina la profesión de arquitecto con sus inquietudes artísticas, autodidacta, potencia la fotografía como lenguaje artístico desde 2010. Ha sido ganador del Concurso Photoactitudes de Madrid (la fábrica) y ha sido seleccionado en Descubrimientos Photoespaña 2014 con la serie Re-velados. Ha expuesto en la V Bienal de fotografía de Vic, el III Festival Miradas de Torroella, al Presente arte contemporáneo de Milan, en la galería "La Salita" de Gijón, en el Casino de Vic y el Festival Fine-Art 2015 de Igualada

Projekteria. C/ Ricart 19. 08004 Barcelona

https://comasmora.files.wordpress.com

http://projekteria.net

Imagen: Revelados. Jordi Comas

BARCELONA. Ramón Surinyac “SENSES” Galería 3 Punts

7 febrero – 10 marzo, 2018

Ramón Surinyac utiliza la materia pictórica y el gesto para construir sus nuevas pinturas sobre tela. Organiza las formas mediante un trazado caligráfico, lento y fluido, que se expande por la superficie hasta proponer un juego visual al espectador, que lo conduce a descubrir, desde una figuración casi mimética, la abstracción más gestual.

Surinyac parte de imágenes reales, a menudo paisajes naturales, que analiza para obtener los elementos que le ayudarán a construir la pintura.

Cada una de sus pinturas se organiza a partir del diálogo entre la acumulación de pequeñas manchas cromáticas y el blanco de la superficie pictórica. Prevalece el espacio vacío, que facilita que el ojo interprete las formas como definidas y permite que el espectador complete la imagen.

Seducidos por la idea del paisaje, cuando nos acercamos a las pinturas de Surinyac, nos sorprende que la estructura de la superficie, la gestualidad caligráfica y la diversidad cromática nos desvelen su lenguaje pictórico.

Ramón Surinyac (Barcelona, 1974) Licenciado en Bellas Artes, especialidad de pintura, Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona (1998).
Erasmus en el Saint Martin College of Art and Design en Londres (1988). Cursos de Doctorado, Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona (2001). (3 Punts press-release)

3 PUNTS GALERIA. Enric Granados 21. 08007 Barcelona

http://3punts.com

http://www.ramonsurinyac.com

Imagen: Surinyac "WINTER" 2017. Óleo sobre tela

BARCELONA. José María Sicilia “Phasma” Galería Joan Prats

09 febrero – 23 marzo, 2018

José María Sicilia (Madrid 1954) fue uno de los representantes más significativos de la pintura española de los años ochenta y se identificó con la joven generación de artistas que, a principios de esa década, retomaba la práctica de la pintura desde una perspectiva `matérica´.

A partir de 1985, Sicilia inicia una nueva serie de trabajos sobre el tema de las flores, por la cual es especialmente conocido en España. Este nuevo desarrollo temático le llevará a profundizar en una investigación centrada en el análisis de la forma, la construcción del espacio y la estructura de la luz.

 En la pintura abstracta que el artista ha desarrollado en los últimos años, la utilización de la cera adquiere un papel protagonista por sus posibilidades de diálogo con la luz y la creación de espacios en la superficie pictórica. (Joan Prats press-release)

Galeria Joan Prats. Carrer Balmes, 54. 08007 – Barcelona, Spain

http://www.galeriajoanprats.com

Imagen: José María Sicilia. La locura del ver, 2016-17

BARCELONA. Àngels Ribé “Mon corps, mon esprit” Ana Mas Projects

13 enero – 09 marzo, 2018

Ana Mas Projects presenta en su sede de Barcelona Mon corps, mon esprit, una exposición de la artista conceptual catalana Àngels Ribé. La muestra está constituida por un conjunto de piezas que recoge un diálogo entre su trabajo más reciente y su obra realizada entre las décadas de 1970 y 1980.

La obra de Àngels Ribé (Barcelona, 1943) se enmarca dentro del panorama internacional como una parte esencial para la comprensión del arte conceptual. En este sentido se le considera como una pionera, cuya práctica va desde el uso del dibujo hasta la performance, pasando por la escultura, la fotografía y la instalación; dotada de una constante sensibilidad por el espacio, la forma y el entendimiento del mundo a través de su obra. Desde sus inicios, el trabajo de Ribé buscó superar las lógicas minimalistas utilizando su cuerpo y explorando la naturaleza a través de diversas acciones efímeras, contribuyendo a la desmaterialización del objeto artístico y por lo tanto cambiando las reglas establecidas para crear un lugar entre el espectador y la obra de arte.

El conjunto de obras que presenta en esta ocasión se inicia con su trabajo escultórico y fotográfico realizado en Estados Unidos y España entre las décadas de 1970 y 1980, y que también incluye su trabajo más reciente. En Mon corps, mon esprit (2017), la artista cristaliza a través de imágenes fotográficas, problemáticas del espíritu y del cuerpo, una dualidad que se manifiesta constantemente desde los inicios de su carrera pero que, en los últimos años incorpora nuevos recursos expresivos (imagen digital, color, entre otros…)

Ana Mas Projects. Isaac Peral 7. L'Hospitalet 08902. Barcelona

http://www.anamasprojects.com

http://www.angelsribe.com

Imagen: Àngels Ribé “Mon corps, mon esprit”

BARCELONA. Blanca Casas Brullet “Material Sensible” Rocio SantaCruz Art

11 enero  – 10 marzo, 2018

Desde sus inicios, el trabajo de Blanca Casas Brullet (Mataró, 1973) se ha nutrido de imágenes inscritas en el lenguaje cotidiano, de la polisemia y de la carga poética que se esconde en los intersticios y en el paso de un idioma a otro.

Las figuras retóricas y las imágenes de la lengua que invocamos para dar cuenta del mundo impregnan la mirada de la artista, siempre atenta a las pérdidas y a los falsos amigos, a los malentendidos y al potencial poético –y en ocasiones también lúdico– de la traducción.

Desde hace unos años la artista se interroga plásticamente sobre el momento de la aparición de la imagen, así como su proceso de fabricación. Concibe, al fin y al cabo, el trabajo de creación como el lugar donde desarrollar un lenguaje plástico para intentar “hacer sentido” al tiempo que se “hace forma”. Es por ello que el taller, la mesa de trabajo, la página en blanco son el centro de sus dispositivos de exposición, así como los desbordamientos, arrugas, agujeros y accidentes que acontecen en el proceso de la materia plástica en transformación.

Encontramos, en la obra de Blanca Casas, materiales, medios y procesos utilizados de forma contradictoria en propuestas paradójicas que ponen en cuestión el ensayo, la tentativa o lo inacabado. Propuestas que hablan de manera metonímica del trabajo a partir de la interrogación sobre su propia consistencia: la imagen se nos presenta como inestable, no fijada, en forma de objetos inciertos e incipientes.

Así pues, el conjunto de tentativas y errores que habitan los rincones del taller, los papeles arrugados que llenan las papeleras, los montajes a veces dispendiosos de materiales diversos, nos hablan del propio trabajo de investigación plástica. Y es que a pesar de la tendencia a esconder el error (en un mundo que se querría eficaz), la deriva y el ensayo, el accidente y lo inesperado se encuentran en la base de todo proceso de aprendizaje y de creación, en la raíz misma del trabajo, sea o no artístico.

En Material sensible, la interrogación sobre lo fragmentario, lo discontinuo o lo inestable remite a la noción de precariedad. Su exploración plástica se sitúa en la suspensión entre dos estados, al tiempo que, dentro de su lógica paradójica, la artista se apropia en esta ocasión de materiales de construcción para preguntarse cómo resistir y construir desde ese espacio incierto. Las formas plásticas y los materiales entran en resonancia con situaciones sociales, económicas, políticas, históricas, pero sin ser una ilustración de las mismas.

Se trata, en definitiva, de una exploración desacomplejada de la polisemia y la analogía, componiendo con palabras, materiales y formas, con desplazamientos, pérdidas y enriquecimientos, las desviaciones y las interrelaciones propias de la traducción de una disciplina a la otra, de una técnica a otra, de un medio a otro. (Rocio SantaCruz press-release)

Rocio SantaCruz Art. Gran Via de les Corts Catalanes 627. 08010 Barcelona

http://rociosantacruz.com

Imagen : Blanca Casas Brullet. Plan de travail, 2015

BARCELONA. “MATERIA PRIMA” Fabra i Coats. Centre d´art Contemporany

8 noviembre 2017 – 1 abril 2018

MATERIA PRIMA es una propuesta expositiva que parte de una voluntad de prospección general del actual ecosistema local de artistas visuales a fin de determinar un mapa posible de algunos de los proyectos y obras más significativos producidos en nuestro entorno en los últimos años. En este sentido, la exposición, como fruto de una labor de prospección, apunta a una suerte de ejercicio de minería de la MATERIA PRIMA con la cual operan principalmente las estructuras, públicas y privadas, de investigación, producción, exhibición y mediación de arte contemporáneo local en nuestro país.

Al igual que otro tipo de minería, la de datos, MATERIA PRIMA aspira a activar, desde la gestión de la información derivada de esta prospección y de sus resultados, un proceso de generación de patrones de aproximación y de lectura del valor simbólico y de las circunstancias materiales presentes en nuestro ecosistema artístico.

En el marco de las premisas de esta prospección, en MATERIA PRIMA el corte de observación del ecosistema local de artes visuales se ha centrado en aquellos y aquellas artistas que, habiendo dejado ya –a menudo muy atrás– una primera fase emergente de su trayectoria, se encuentran hoy en curso de consolidación de sus carreras artísticas–un curso permanentemente inestable y temporalmente indefinido en la mayor parte de los casos–. Artistas y trayectorias que algunas voces, rehuyendo toda adscripción generacional, definen como de tramo medio, a medio camino entre la emergencia local y la consagración internacional.

Artistas y trayectorias de tramo medio que constituyen la MATERIA PRIMA de nuestro ecosistema local de artes visuales, razón por la cual un equipamiento expositivo como el de Fabra i Coats en Sant Andreu –llamado a erigirse en el centro de arte contemporáneo al que aspira esta ciudad–debe realizar una prospección sistemática para sacarlos a la luz y visibilizarlos. Comité curatorial: David Armengol, David G. Torres i Martí Peran

Artistas participantes:Antoni Hervàs, Antonio Ortega, Avelino Sala, Dani Montlleó, Daniela Ortiz, David Bestué, Domènec, Enric Farrés Duran, Erick Beltrán, Ester Partegàs, Jaume Pitarch, Javier Peñafiel, Joan Morey, Joana Cera, Jordi Mitjà, Lúa Coderch, Luis Guerra, Luís Bisbe, Luz Broto, Martí Anson, Mireia Sallarès, Núria Güell, Oriol Vilanova, Patricia Dauder, Pere Llobera, Rafel G. Bianchi, Regina Giménez, Tere Recarens, Xavier Arenós y Yamandú Canosa. (Fabra i Coats press-release)

Fabra i Coats. Centre d´art Contemporany. c/ Sant Adrià, 20. 08030 Barcelona

Fabra i Coats. Centre d´art Contemporany.

http://ajuntament.barcelona.cat/centredart/es/

Imagen: MATERIA PRIMA. Pere Llobera

BARCELONA. Lita Cabellut “Retrospective” Espai Volart 2, Fundació Vila Casas

5 octubre 2017 – 27 mayo 2018

Después de la exposición “Trilogía de la duda” celebrada en el año 2013 en el Espai Volart 2, la Fundació Vila Casas inaugura nuevo espacio expositivo con esta muestra que traspasa los límites convencionales de la pintura para situarse en el terreno del riesgo, del gesto y del retrato psicológico con un clasicismo latente, heredero de Goya, Velázquez o Rembrandt.

Ideada y dirigida por Antoni Vila Casas y Lita Cabellut, “Retrospective” reúne obras de los últimos años organizadas en algunas series comprendidas entre los años 2008 y 2017 como “Flower installations” (2016-17), “Disturbance” (2015), “Blind mirror” (2015), “Tempus & divine” (2015), “Black tulip” (2014), “White silenci” (2014), “Dried tear” (2013), “After the show” (2012), “Camaron” (2011), “Memories wrapped in gold paper” (2012), “Coco” (2011), “Frida” (2011), “Madness and reason” (2010), “Installation” (2010), “State or grace” (2010), “Country life” (2009), “Ethics” (2017) y “Dillusion” (2008).

La belleza es el origen de todo lo que conmueve, lo más puro y profundo; también lo más duro porque duele, del mismo modo que duele criar. Es amor. Como un beso crudo. Y la inteligencia son sus ojos.

Lita Cabellut (Sariñena, 1961) es una artista cuya obra va más allá de los límites de la pintura convencional. Determinada, libre, de carácter fuerte y apasionada, Cabellut defiende una pintura desvinculada de las directrices que marcan el mercado artístico. Para ella el arte debe estar por encima de todo esto y el artista ha de ser totalmente libre porque solo de esta forma se puede conseguir el arte por el arte.

Trabaja con lienzos de grandes dimensiones y con una paleta totalmente estudiada y personal, y es que sus colores, como su obra, son intensos y temperamentales, así como el tratamiento de la factura, matérica y voluptuosa. Cabe destacar que, a pesar de que también usa el óleo, muchas de sus pinturas están realizadas con la técnica de la pintura al fresco.

Lita Cabellut es una artista fértil, con una abundosa obra que se ha ido nutriendo desde que tenía solo 15 años y descubrió la pintura en el Museo del Prado de la mano de su familia adoptiva. En esta exposición presentamos una muestra que resume los últimos 10 años de creación de esta artista de origen aragonés, crecida en Barcelona y establecida en La Haya. Un recorrido, pues, por algunas de las series más significativas que han acompañado las reflexiones de una de las artistas más significativas del panorama artístico internacional contemporáneo. (Fundació Vila Casas press´release)

Espai Volart 2. C/ Ausiàs Marc, 22. 08010 Barcelona

http://www.fundaciovilacasas.comhttp://www.litacabellut.com

Imagen: Lita Cabellut